2. Народные инструменты. струны больше не зажимают, а перебирают пальцами со специальными "ногтями" из металла или пластика. Народные инструменты франции. Народный инструмент франций Квинтон.
Мандора (музыкальный инструмент)
Музыка франции Музыкальные инструменты во франции. Мусикия Музыкальная культура Франции Народные истоки французской музыки восходят к раннему средневековью: в 8-9 веках существовали танцевальные напевы и. От него ко мне перешла любовь к созданию народных инструментов», – поделился Барсег Барсегян. в конце была спета народная песня "не одна я в поле кувыркалась, не одной мне ветер в жопу дул". поосле этого была спета українська народна пісня "ой да залупилася на хую шкуринка".
Дитя арфы и гуслей: чем интересен инструмент кантеле
Игорь Петришенко, заместитель премьер-министра Беларуси: «Мы возобновили производство и цимбал, и гитары, и балалайки, и домры. Нашими индивидуальными предпринимателями созданы необходимые комфортные условия для организации производства и, самое главное, чтобы они подготовили учеников. Передали свой уникальный опыт». Пример — столичная фабрика фортепиано. С 2018-го здесь вручную собирают инструмент. А это больше 3 тысяч деталей, которые должны звучать.
За настройку тоже отвечают люди. У многих сотрудников не просто хороший слух, но и музыкальное образование. А потому продукт на выходе — высокого качества. Ольга Болтовская, регулировщик клавишных инструментов: «Собираем внутренность, сердце инструмента, а после инструмент проходит 4-5 регулировок.
В принципе, внешне он похож на славянского брата. В других культурах у инструмента также полным-полно «родственников». Например, у эстонцев есть каннель, у латышей — коклекс, а у литовцев — канклес.
Все они относятся к категории струнно-щипковых. В современном мире кантеле чаще всего встречается в Финляндии.
Диапазон звучания корнета равен диапазону трубы — от e ми малой октавы до c3 до третьей октавы. Применяется в строях си-бемоль in B и ля in A , ноты пишутся обычно без ключевых знаков, на тон или полтора в зависимости от строя выше действительного звучания. Интересные факты Корнет является самым маленьким духовым музыкальным инструментом, который изготавливают из латуни. Он имеет самый высокий звук среди братьев Музыкант дует в мундштук, который имеет вид воронки.
Не глядя на весьма небольшие размеры, корнет играет в духовом оркестре очень большую роль Своей популярностью корнет мог похвастаться во второй половине XIX века.
На одной из игровых трубок исполнялась мелодия, вторая использовалась для извлечения бурдонного звука, высоту которого можно менять. Иногда игровые трубки делались съёмными, чтобы их можно было использовать в качестве самостоятельных музыкальных инструментов. Вторая разновидность мордовской волынки изготовлялась из бычьего, коровьего или свиного пузыря. В мордовских сёлах существовал обычай отдавать музыкантам пузыри жертвенных животных для изготовления волынок. В пузырь вставлялись две тростниковые трубки с 3 голосовыми отверстиями каждая. Трубки для вдувания воздуха не было, поэтому музыкант надувал пузырь, вынув игровые трубки, и играл, пока запас воздуха не кончится, после чего снова надувал пузырь. Часто волынщики играли вдвоём: пока один исполнитель играл мелодию, второй надувал резервуар своей волынки.
Чувашская волынка Шапар, шабр, шыбыр, пузырь Чувашская волынка. Состоит из мешка пузырь быка или коровы , костяной или металлической трубки для нагнетания воздуха и 2 оловянных мелодических трубок, укрепленных на деревянном ложе. На них надевали раструб из коровьего рога и иногда дополнительный — из бересты. Левая трубка имеет 2-3, правая 3-4 игровых отверстия у неё внизу есть 3-7 небольших подстроечных отверстий. Трости обычно одинарные, хотя в Тетюшинском районе Татарстан применяются и двойные. Звукоряды очень разные с использованием как хроматических, так и диатонических интервалов. Сарнай Чувашская волынка. В отличие от шапара мешок изготавливают не из пузыря, а из телячьей или козьей кожи.
Имеет вдувник, 2 бурдона чаще всего настроены в квинту и одну мелодическую трубку с 6 игровыми отверстиями и углублениями для пальцев. Все трубки деревянные. Трости одинарные, сделанные из гусиного пера или тростника. Звукоряд обычно диатонический, но встречаются и пропуски ступеней, увеличенные или уменьшенные октавы и т.
Музыкальный инструмент символ франции
(франц. clavecin) - это щипковый клавишный муз. инструмент. 2. Народные инструменты. Композитор Норвегии и Франции, один из лучших исполнителей Европы на нетрадиционном инструменте банденеон, исполнитель известного дуэта с Гидоном Кремером. Разнообразие народных музыкальных инструментов Франции В дополнение к колёсной лире и волынке, во Франции существует множество других народных музыкальных инструментов.
Французские народные инструменты. Какой музыкальный инструмент во франции
Обладая не только музыкальным талантом, но и талантом организатора, подготовил для Филармонии джазовой музыки целый ряд проектов с участием джазовых музыкантов из США и Франции. «Представляете, с нашими оркестровыми инструментами полетим во Францию на самолете с двумя пересадками, затем поедем в парижском метро. Аккордеоны, волынки, флейты, колесные скрипки (херди-герди) и прочие народные инструменты, выполненные вручную, будут играть на 30 концертах, в танцевальных программах для взрослых и на уроках народных танцев для детей. Оркестр русских народных инструментов им. В.А. Салина (ОРНИ) под управлением заслуженного работника культуры РФ, лауреата премии в сфере культуры и искусства города Перми им. Николая Серебреникова. Аккордеоны, волынки, флейты, колесные скрипки (херди-герди) и прочие народные инструменты, выполненные вручную, будут играть на 30 концертах, в танцевальных программах для взрослых и на уроках народных танцев для детей. Студенты кафедры народных инструментов достойно представили свой вуз, заняв призовые места: Бертов Леонид — лауреат 1 степени, Огарев Валерий — лауреат 2 степени, Джангабаев Алимжан — лауреат 3 степени (класс заслуженного артиста РФ, профессора Б.А. Арона).
Музыка во Ф ранции
Исполнитель буквально заворожил публику чувственным исполнением джазовых стандартов, французских мелодий и музыки его Родины — Карибского бассейна. Мистер Мелвин обучался в Black Music School в Париже — эта школа специализируется на изучении афроамериканской музыки. Он работал с джазовой исполнительницей Мишель Хендрикс, дочерью великого Джона Хендрикса. Его талант позволил ему делить сцену с такими известными артистами своего жанра, как Derek Martin, Jean Carpenter и другие.
Они и являлись ее основой, базисом, позволявшим французской музыкальной культуре развиваться, совершенствоваться, взаимообогащаться, комбинируя эти направления. На смену мрачному, религиозному средневековью пришла великолепная и блестательная эпоха Возрождения. Renaissance появился в Италии и достаточно скоро приобрел популярность в Европе. Не остались в стороне и французы. Они одними из первых по достоинству оценили эту «культурную революцию» и присоединились к ней. Врожденное чувство прекрасного, отменный вкус, художественное чутье не подвели французов.
Но не только эстетический вкус оказал влияние на смену культурных эпох во Франции. Здесь необходимо учитывать целый ряд важнейших исторических процессов и факторов, оказавших существенное значение при становлении и утверждении норм и канонов Возрождения. Одним из ключевых факторов в данном историческом ряду событий по праву является возникновение буржуазии 15 в. Следующим фактором следует назвать борьбу за объединение Франции, завершившуюся к концу 15 века. И, разумеется, создание единого централизованного государства, провозглашавшего новые ценности в новую эпоху. Таким образом, уже конце 15 в. В этот период существенно возрастает роль музыки в светской жизни. Французские короли создавали при своих дворах большие капеллы, устраивали музыкальные празднества, королевский двор становится центром профессионального искусства. Укрепилась роль придворной капеллы.
В 1581 Генрих III утвердил должность «главного интенданта музыки» при дворе, первым этот пост занимал итальянский скрипач Бальтазарини де Бельджозо. Важными центрами музыкального искусства вместе с королевским двором и церковью были также аристократические салоны. Расцвет Возрождения, связанный с формированием французской национальной культуры, приходится на середину 16 века. В это время выдающимся жанром профессионального искусства становится светская многоголосная песня — шансон. Её полифонический стиль получает новую трактовку, созвучную идеям Французских гуманистов — Рабле, КлеманМаро, Пьер де Ронсар. Ведущим автором шансонов этой эпохи считается КлеманЖанекен, который написал более 200 многоголосных песен. Шансоны получили известность не только во Франции, но и за её пределами, во многом благодаря нотопечатанию и укреплению связей между европейскими странами. В эпоху Возрождения возросла роль инструментальной музыки. В музыкальном быту были широко распространены виола, лютня, гитара, скрипка как народный инструмент.
Инструментальные жанры проникали как в бытовую музыку, так и в профессиональную, отчасти церковную. Лютневые танцевальные пьесы выделялись среди господствующих в 16 в. Характерным было объединение двух или нескольких танцев по принципу ритмического контраста в своеобразные циклы, которые стали основой будущей танцевальной сюиты. Более самостоятельное значение приобрела и органная музыка. Возникновение органной школы во Франции кон. В 1570 году Жан-Антуаном де Баифом была основана Академия поэзии и музыки. Участники этой академии стремились возродить античную поэтико-музыкальное метрику, защищали принцип неразрывной связи музыки и поэзии. Значительный пласт в музыкальной культуре Франции 16 в. Гугенотские песни использовали мелодии популярных бытовых и народных песен, приспосабливая их к переведенным французским богослужебным текстам.
Чуть позже религиозная борьба во Франции породила гугенотские псалмы с характерным для них переносом мелодии в верхний голос и отказом от полифонических сложностей. Крупнейшими композиторами-гугенотами, составлявшими псалмы, были Клод Гудимель, Клод Лежён. Классицизм и барокко. Важным рубежом в формировании французской музыкальной культуры стал 17 век. В этот период произошла не только смена культурных эпох: на смену ренессансу пришли сперва классицизм, а потом витиеватый барокко, но и смена приоритетов. Именно тогда светская музыка окончательно берет вверх над религиозной и в дальнейшем именно она формируют французскую музыкальную культуру, устанавливает каноны, моду, стиль, ведущие направления, тенденции и жанры. Эти два фактора способствовали развитию важнейших жанров того времени — оперы и балета. Годы правления Людовика XIV отмечены необыкновенной пышностью придворной жизни, стремлением знати к роскоши и утонченным увеселениям. Не зря этого короля называли Король-солнце.
Все утопало в пышности, блеске и великолепии. Французский двор сиял, подобно Олимпу. В этой связи большая роль отводилась придворному балету. Как ни странно, но существенную роль в развитии музыкальной культуры пусть и опосредованно сыграл кардинал Мазарини, всячески способствуя усилению при дворе итальянского влияния. Знакомство с итальянской оперой послужило мощным стимулом к созданию своей национальной оперы, первый опыт в этой области принадлежит Элизабет Жаке де ла Герр «Триумф любви», 1654. В 1671 году в Париже открылся оперный театр под названием «Королевская академия музыки». Его возглавил Ж. Эта выдающаяся личность сейчас считается основоположником национальной оперной школы. Люлли создал ряд комедий-балетов, ставших предтечей жанра лирической трагедии, а позже — оперы-балета.
Люлли внес существенный вклад и в развитие инструментальной музыки. Им был создан тип французской оперной увертюры термин утвердился во 2-й половине 17 в. Многочисленные танцы из его произведений крупной формы менуэт, гавот, сарабанда и др. В конце 17 — 1-й половине 18 века для французского театра писали такие знаменитые композиторы как Н. Шарпантье, А. Кампра, М. Делаланд, А. У преемников Люлли условность придворного театрального стиля усиливается. В их лирических трагедиях на первый план выступают декоративно-балетные, пасторально-идиллические стороны, а драматическое начало все более ослабляется.
Лирическая трагедия уступает место опере-балету. Готье, который повлиял на клавесинный стиль Ж. Куперен , виольная М. Марен, который впервые во Франции ввел в оперный оркестр контрабас вместо контрабасовой виолы. Наибольшее значение приобрела французская школа клавесинистов. Ранний клавесинный стиль сложился под непосредственным влиянием лютневого искусства. В произведениях Шамбоньера сказалась характерная для французских клавесинистов манера орнаментации мелодии. Обилие украшений придавало произведениям для клавесина определенную изысканность, а также большую связность, «певучесть», «протяженность» отрывистое звучание этого инструмента. В инструментальной музыке широко использовалось применяемое ещё с 16 в.
В 18 веке с ростом влияния буржуазии складываются новые формы музыкально-общественной жизни. Постепенно концерты выходят за рамки дворцовых залов и аристократических салонов. В 1725 А. Филидор Даникан организовал в Париже регулярные публичные «Духовные концерты», в 1770 Франсуа Госсек основал общество «Любительские концерты». Более замкнутый характер носили вечера академического общества «Друзья Аполлона» основано в 1741 , ежегодные циклы концертов устраивала «Королевская Академия музыки». В 20-30-е годы 18 в. Среди французских клавесинистов ведущая роль принадлежит Ф. Куперену, автору свободных циклов, основанных на принципах сходства и контраста пьес. Наряду с Купереном большой вклад в развитие программно-характеристической клавесиновой сюиты внесли также Ж.
Дандре и особенно Ж. В 1733 году успешная премьера оперы Рамо «Ипполит и Арисия» обеспечила этому композитору ведущее положение в придворной опере — «Королевской академии музыки». В творчестве Рамо жанр лирической трагедии достиг кульминации. Его вокально-декламационный стиль обогатился мелодико-гармонической экспрессией. Большим разнообразием отличаются его двухчастные увертюры, однако представлены в его творчестве и трехчастные увертюры, близкие итальянской оперной «синфонии». В ряде опер Рамо предвосхитил многие поздние завоевания в области музыкальной драмы, подготовив почву для оперной реформы К. Рамо принадлежит научная система, ряд положений которой послужили основой современного учения о гармонии «Трактат о гармонии», 1722; «Происхождение гармонии», 1750, и др. К середине 18 века героико-мифологические оперы Люлли, Рамо и других авторов перестали соответствовать эстетическим запросам буржуазной аудитории. Своей популярностью они уступают остросатирическим ярмарочным спектаклям, известным ещё с конца 17 века.
Эти представления направлены на высмеивание нравов «высших» слоев общества, а также пародируют придворную оперу.
Церковь использовала в богослужениях материал, понятный местным жителям. Одним из существенных пластов французской музыкальной культуры была церковная музыка, получившая распространение вместе с христианством. В церковную музыку проникли гимны, складывались свои певческие обычаи, появились местные формы литургии. К фольклорным принадлежат также песни, связанные с галльскими и кельтскими верованиями. Среди лирических жанров особое место занимают пасторали идеализация сельской жизни.
В произведениях любовного содержания преобладают темы неразделённой любви, расставания. Немало песен посвящено детям --колыбельные, игровые, считалки фр. Разнообразны трудовые песни жнецов, пахарей, виноградарей и др. Особую группу составляют баллады о крестовых походах, песни, изобличающие жестокость феодалов, королей и придворных, песни о крестьянских восстаниях эту группу песен исследователи называют «поэтическим эпосом истории Франции». Жан-Филипп Рамо. Ставший знаменитым лишь в зрелые годы, Ж.
Рамо так редко и скупо вспоминал о своем детстве и юности, что даже его жена почти ничего об этом не знала. Лишь по документам и отрывочным воспоминаниям современников мы можем восстановить путь, приведший его на парижский Олимп. День его рождения неизвестен, а крещен он был 25 сентября 1683 г. Отец Рамо работал церковным органистом, и первые уроки мальчик получил от него. Музыка сразу стала его единственной страстью. Жан-Батиса Люлли.
Этот выдающийся музыкант-композитор, дирижер, скрипач, клавесинист прошел жизненный и творческий путь, чрезвычайно своеобразный и во многом характерный для его времени. Тогда еще сильна была неограниченная королевская власть, но уже начавшееся экономическое и культурное восхождение буржуазии привело к появлению людей из третьего сословия в качестве не только "властителей дум" литературы и искусства, но и влиятельных фигур в чиновно-бюрократических и даже придворных кругах. Франсуа Куперен - французский композитор и клавесинист, как непревзойденный мастер игры на клавесине он удостоился от своих современников титула "Le Grand" - "Великий". Родился 10 ноября 1668 г. Его отцом был Шарль Куперен, церковный органист. Французская музыка классического направления достигла своего расцвета в 19 веке.
Эпоха романтизма во Франции представлена произведениями Гектора Берлиоза, прежде всего, его симфонической музыкой. А в конце этого столетия во Франции появляется новое направление в классической музыке - импрессионизм, который связывают с именами Клода Дебюсси, Эрика Сатии Мориса, Равеля В 20-х годах 20 века во Франции распространяется джаз , выдающимся представителем которого был Стефан Граппелли. Во французской поп-музыке сложился жанр шансона, где ритм песни повторяет ритм французского языка, акцент делается как на словах, так и на мелодии. Благодаря Мирей Матье, Эдит Пиаф и Шарлю Азнавуру французская музыка в жанре шансон стала необычайно популярна и любима во всем мире. Хочу рассказать про Эдит пиаф 19 декабря 2014 года исполняется ровно 99 лет, как в Париже появилась на свет певица Эдит Пиаф. Она родилась в тяжелейшее время, несколько лет жила слепой и начинала петь в самых злачных кабаках.
Постепенно, благодаря своему таланту, Пиаф покорила Францию, Америку, а затем и весь мир… Начало 30-х годов. Из маленького кинотеатра на окраине города после вечернего сеанса выходит странное создание в грязном свитере и потрепанной юбчонке. Губы неровно намазаны ярко-красной помадой, круглые глаза вызывающе глядят на мужчин. Она посмотрела фильм с Марлен Дитрих. И у нее прическа точь-в-точь как у кинозвезды! Вихляя тощими бедрами, самоуверенная пигалица заходит в прокуренный бар и заказывает два стакана дешевого вина -- себе и молодому моряку, к которому подсела за столик...
Эта вульгарная уличная девчонка скоро станет Эдит Пиаф. Во второй половине 20 века во Франции становится популярной эстрадная музыка, известными исполнителями которой явяются Патрисия Каас, Джо Дассен, Далида, Милен Фармер. Патримсия Каамс фр. Patricia Kaas; род. Стилистически музыка певицы -- это смесь поп-музыки и джаза. С момента выхода дебютного альбома Каас «Мадмуазель поёт блюз» фр.
Mademoiselle chante le blues в 1988 году во всём мире было продано более 17 миллионов записей её выступлений. Особо популярна во франкофонных и немецкоговорящих странах, а также в России. Существенная часть её формулы успеха -- это постоянные гастроли: Каас практически всё время находится в заграничных турне. Представляла Францию на конкурсе песни «Евровидение» 2009 года и заняла 8 место. Одним из пионеров электронной музыки был французский композитор Жан-Мишель Жарр, его альбом Oxygene стал классикой электронной музыки. В 90-х годах 20 века во Франции развиваются и другие жанры электронноймузыки, такие как хаус, трип-хоп, нью-эйдж, и другие.
Размещено на Allbest. Рамо и "большая" французская опера. Французская лирическая трагедия как жанр. Лирические трагедии Рамо. Рамо и Де Ла Брюер. Рамо - звучащий Версаль.
Черты стиля Рококо в музыке и других видах творчества. Музыкальные образы французских клавесинистов, клавесинная музыка Ж. Рамо и Ф. Метроритм, мелизматика, динамика. Специфика исполнения французской клавирной музыки на аккордеоне. Артикуляция, меховедение и интонирование, техника исполнения мелизма.
Логико-понятийная схема французской музыкальной терминологии: истоки и принципы формирования. Эволюция французской музыкальной терминологии исполнительского искусства, иноязычное влияние на данную сферу. Специфика стиля разных эпох. Додекафонная техника музыкальной композиции. Натуральный мажор и минор, особенности пентатоники, использование народных ладов. Роль В.
Одоевского в российской музыкальной культуре. Анализ церковной музыки. Профессиональный разбор специфики выразительных средств музыки, особенностей баховской полифонии. Признаки психологизма в музыке. Эффективные методы, способствующие воспитанию у подростков музыкальной культуры. Вокально-хоровая работа.
Исполнительный репертуар учащихся. Слушание музыки. Метроритмика и игровые моменты. Межпредметные связи. Формы контроля. Фрагмент урока музыки для 3 класса.
Истории направлений американской музыки. Основные течения джаза и кантри. Характерные черты музыкального языка джаза. Ковбойские баллады Дикого Запада. Французская музыка, которую мы слышим, имеет глубокие корни. Она появляется из народного творчества крестьян и горожан, религиозной и рыцарской поэзии, из танцевального жанра.
Становление музыки зависит от эпох. Кельтские верования, а впоследствии региональные нравы французских провинций и соседних народностей образуют особенные музыкальные мелодии и жанры, присущие музыкальному звучанию Франции. Музыка кельтов Галлы - самый крупный кельтский народ потерял свой язык, заговорив на латинском, но приобрел кельтские музыкальные традиции, танцы, эпос и музыкальные инструменты: флейту, волынку, скрипку, лиру. Галльская музыка распевная, связана с поэзией неразрывно. Голос души и выражение эмоций передавали странствующие барды. Они знали множество песен, владели голосом и умели играть, а также использовали музыку в таинственных ритуалах.
Во французском фольклоре известны 2 варианта музыкальных произведений: баллады и лирика - народная поэзия с припевом, который заменял музыку. Все песни написаны французским языком, несмотря на то, что жители разных частей Франции говорили на собственных наречиях. Язык центральной Франции считался торжественным и поэтичным. Эпические песни Песни-баллады были в большом почете в народной среде. Германские предания взяли за основу таланты из народа для своих песен-легенд. Эпический жанр исполнял жонглер - народный певец, который как летописец увековечивал события в песне.
Позже, его музыкальный опыт передается средневековым бродячим певцам - трубадурам, менестрелям, труверам. Среди песен-легенд значительную группу составляет песня - жалоба, как отклик на трагические или несправедливые события. Религиозный или светский рассказ обычно грустный, с преобладанием минорной тональности. Жалоба могла быть романтической или приключенческой, в которой главным сюжетом оказывалась любовная история с трагическим концом или сцены страстей, порой полные жестокости. Песня-жалоба распространялась вглубь деревень и постепенно обретала шуточный и сатирический характер. Напевом жалоб могли быть церковные песнопения или деревенское пение - длительные, с паузами рассказы.
Классическим примером повествовательных песнопений является «Песня о Рено», имеющая ритм в мажоре. Мелодия спокойна и подвижна. Песенную балладу с кельтскими мотивами можно услышать в творчестве Нольвен Леруа - фолк-певицы из Бретани. Первый альбом «Бретонка» 2010 г. Баллады звучат и у классиков рок-фолка - «Tri Yann». Повесть о простом моряке и его подруге признана хитом и жемчужиной фольклора.
Группа основали три музыканта по имени Жан в 1970 году. О чем сообщает и название группы, которое с бретонского переводится «три Жана». Еще одна песня-баллада «В тюрьмах Нанта» о сбежавшем узнике при содействии дочери тюремщика - популярна и известна всей Франции. Любовная лирика В любых формах народной музыки возникала история любви. В эпосе - это рассказ о любви на фоне каких-либо военных или житейских событий. В шуточной песне - это ироничный диалог, где один собеседник смеётся над другим, нет единения любящих сердец и объяснений.
В детских песнях поется о свадьбе птиц. Лирическая французская песня в классическом понимании - это пастораль, возникшая из сельского жанра и перекочевавшая в репертуар трубадуров. Ее героями выступают пастушки и сеньоры. Общественные певцы уточняют также время и место действия - обычно это природа, виноградник или сад. Регионально народная песня о любви различается тональностью. Очень чувствительна бретонская песня.
Серьезная, взволнованная мелодия говорит о возвышенных чувствах. Альпийская музыка - чистая, текучая, наполненная горным воздухом. В центральной Франции - «равнинные песни» в стиле романса. Прованс и юг страны сочиняли серенады, в центром которой была влюбленная пара, а девушку сравнивали с цветком или звездой. Пение сопровождалось игрой на тамбурине или французской дудке. Поэты-трубадуры слагали свои песни на языке Прованса и воспевали куртуазную любовь и рыцарские подвиги.
В сборники народных песен XV в. В любовной лирике отсутствует характерная для жарких песен Италии и Испании изысканность, для них характерный оттенок иронии. Чувственность народных песен играет решающую роль, а любовь к этому жанру распространилась на создателей шансона и до сих пор живет во Франции. Музыкальная сатира Галльский дух проявляется в шутках и в песнях. Наполненный жизнью и насмешливый, он образует характерную черту французской песни. Городской фольклор, очень близкий к народному творчеству возник в 16 веке.
Тогда парижские chansonnier, которые обитали у Нового моста, пели об актуальных проблемах, здесь же они торговали своими текстами. Отклики на разные общественные события сатирическими куплетами вошли в моду. Острые народные песни определили развитие кабаре. Музыка танца Музыка классического направления также черпала вдохновение из творчества крестьян. Народные мелодии нашли свое отражение в произведениях французских композиторов — Берлиоза, Сен-Санса, Бизе, Люлли и многих других. Старинные танцы - фарандола, гавот, ригодон, менуэт и бурре тесно связаны с музыкой, а их движения и ритм основываются на песнях.
В принципе, внешне он похож на славянского брата. В других культурах у инструмента также полным-полно «родственников». Например, у эстонцев есть каннель, у латышей — коклекс, а у литовцев — канклес. Все они относятся к категории струнно-щипковых. В современном мире кантеле чаще всего встречается в Финляндии.
Музыка во Франции
Виват, Драгой! Румынский аккордеонист устроил с самарскими музыкантами «Балканский вечер» 5 февраля в Самарской филармонии открылся X Международный фестиваль баянной музыки «Виват, баян! Вместе с самарскими пианистом Дмитрием Болдырем и контрабасистом Николаем Мачкасовым гость из Румынии Эми Драгой сыграл произведения классической, джазовой и народной музыки. Организаторы включили в фестивальную программу наиболее ярких музыкантов, представляющих разнообразные направления и стили баянной музыки со всего мира.
Большинство из них ранее выступали на фестивале с блестящими концертами и надолго запомнились постоянным гостям «Виват, баян! Не случайно открывать мероприятие поручили Эми Драгою. Его знают как самобытного исполнителя, органично соединяющего музыку самых разных направлений, от джаза до классики и фольклора.
Драгой родом из румынской семьи, в которой музыкальные традиции передаются по наследству, из поколения в поколение, причем детей учат играть не по нотам, а на слух. Искусство игры на аккордеоне Эми вместе с сестрами освоил благодаря отцу. В 16 лет неугомонный Драгой пошел из интереса в музыкальную школу, где обучился нотной грамоте.
Как признается сам аккордеонист, это было не обязательно, потому что полученных в семье музыкальных знаний впоследствии оказалось достаточно для того, чтобы создавать уникальные «аккордеон-миксы» — так Эми называет свои произведения, составленные из композиций разных эпох и авторов. Последние 20 лет Драгой живет во Франции. Тесное общение с французскими цыганами позволило Эми усовершенствовать музыкальные навыки и приобщиться к традициям цыганской музыки.
Уникальное умение Эми соединять в одной композиции, казалось бы, несовместимые произведения и подавать их на сцене со свойственной румынам экспрессией самарцы впервые оценили на VII фестивале «Виват, баян!
Табачника, С. Яркие исполнительские звезды есть и у джазового аккордеона, это: М. Мэтьюз, Т. Гумино Л.
Саш, Э. Феличе, А. Из всей плеяды талантливых исполнителей хочется особо выделить П. Дейро, П. Фроссини, Арт Ван Дамма и А.
Пьетро Дейро — американский аккордеонист-виртуоз итальянского происхождения, внесший весомый вклад в популяризацию инструмента. В Нью—Йорке он создал штаб аккордеонного искусства, а затем основал Ассоциацию аккордеонистов, целью которой была активная пропаганда инструмента. Пьетро Фроссини своим творчеством, эффектными и изящными композициями, значительно обогатил репертуар эстрадного аккордеона. Он первым записал исполнение на аккордеоне на звукозаписывающее устройство. Произведения П.
Фроссини для аккордеона сегодня очень популярны и часто включаются в программы музыкантов по всему миру. Арт Ван Дамм, признанный лучшим джазовым аккордеонистом, был настоящим мастером своего дела. За свою творческую жизнь Арт Ван Дамм совершил почти сорок гастрольных мировых турне. Астор Пьяццолла - знаменитый аргентинский музыкант и композитор. Его сочинения, впитавшие в себя компоненты джаза и классики, представили слушателям танго совсем по-иному.
Он придал аргентинскому народному танцу форму концертного произведения и вывел его на сценическую площадку.
Они пели нравоучительные, шуточные, сатирические песни, танцевали под аккомпанемент различных инструментов, в том числе тамбурина , барабана , флейты , щипкового инструмента типа лютни это способствовало развитию инструментальной музыки. Жонглёры выступали на праздниках в деревнях, при феодальных дворах и даже в монастырях участвовали в некоторых обрядах, театрализованных шествиях, приуроченных к церковным праздникам, получивших название Carole. Их преследовала церковь как представителей враждебной ей светской культуры.
Часть их оседала в рыцарских замках, попадая в полную зависимость от рыцаря-феодала, другие останавливались в городах. Таким образом, жонглёры, утратив свободу творчества, стали оседлыми менестрелями в рыцарских замках и городскими музыкантами. Однако этот процесс в то же время способствовал проникновению в замки и города народного творчества, который становится основой рыцарского и бюргерского музыкально-поэтического искусства. Французский трубадур Бернарт де Вентадорн.
Рисунок из рукописи XIII века В эпоху позднего средневековья в связи с общим подъёмом французской культуры начинает интенсивно развиваться и музыкальное искусство. В феодальных замках на основе народной музыки расцветает светское музыкально-поэтическое искусство трубадуров и труверов XI—XIV вв. Во 2-й половине XII века в северных областях страны возникло подобное направление — искусство труверов, которое сначала было рыцарским, а в дальнейшем все больше сближалось с народным творчеством. Среди труверов наряду с королями, аристократией — Ричардом Львиное Сердце , Тибо Шампанским королём Наварры , впоследствии получили известность представители демократических слоев общества — Жан Бодель , Жак Бретель, Пьер Мони и другие.
В связи с ростом таких городов, как Аррас , Лимож , Монпелье , Тулуза и других в XII—XIII веках развилось городское музыкальное искусство, создателями которого стали поэты-певцы из городских сословий ремесленники, простые горожане, а также буржуа. Они внесли свои особенности в искусство трубадуров и труверов, отойдя от его возвышенно-рыцарских музыкально-поэтических образов, освоив народно-бытовую тематику, создав характерный стиль, свои жанры. Виднейшим мастером городской музыкальной культуры XIII века был поэт и композитор Адам де ла Аль , автор песен, мотетов , а также популярной в своё время пьесы « Игра о Робене и Марион » около 1283 г. Он по-новому трактовал традиционные единогласные музыкально-поэтические жанры трубадуров, использовав многоголосие.
Основная статья: Нотр-Дам школа Укрепление экономического и культурного значения городов, создание университетов в том числе в начале XIII века Парижского университета , где музыка была одним из обязательных предметов входила в квадривиум , способствовали повышению роли музыки как искусства. В XII веке одним из центров музыкальной культуры стал Париж , и прежде всего его Поющая школа собора Нотр-Дам , объединившая крупнейших мастеров — певцов-композиторов, ученых. С этой школой связан расцвет в XII—XIII веках культового многоголосия, появление новых музыкальных жанров, открытия в области музыкальной теории. В произведениях композиторов Нотр-дамской школы григорианский хорал претерпел изменения: ранее ритмически свободный, гибкий хорал приобрел большую размеренность и плавность отсюда название такого хорала cantus planus.
Осложнения многоголосной ткани и её ритмической структуры потребовало точного обозначения длительностей и совершенствование нотации — в результате представители парижской школы на смену учению о модусах постепенно пришли к мензуральной нотации. Значительный вклад в этом направлении сделал музыковед Иоанн де Гарландия. Многоголосие вызвало к жизни новые жанры церковной и светской музыки, в том числе кондукт и мотет. Кондукт изначально выполнялся преимущественно во время праздничной церковной службы, однако позже стал чисто светским жанром.
В числе авторов кондукта — Перотин. Фрагмент трактата Ars Nova Филиппа де Витри с «витрийской» нотной записью На основе кондукта в конце XII века во Франции сформировался важнейший жанр многоголосной музыки — мотет. Мотет допускал свободу объединения литургических и светских напевов и текстов, — такое сочетание привело к рождению в XIII веке шутливого мотета. Значительное обновление получил жанр мотета в XIV веке в условиях направления ars nova , идеологом которого выступил Филипп де Витри.
В искусстве ars nova большое значение придавалось взаимодействию «бытовой» и «научной» музыки то есть песни и мотета.
Вместе с Константеном звание придворного композитора Королевской капеллы получил и Де Лазарен ум. Не уступал им по мастерству и придворный скрипач, композитор и танцовщик Де Бокан ок. Его настоящее имя — Жак Кордье.
Совершенно необразованный, не умевший даже читать ноты, он был необычайно одарен как скрипач, композитор и учитель танцев, заниматься у которого добивались многие короли и королевы европейских стран. Он славился необычайной певучестью игры, мелодичностью сочиняемых скрипичных арий и танцев. Его произведения, а также сочинения Мишеля Мазуэля — с 1654 года композитора капеллы — по словам Ф. Филидора, «позволяют предчувствовать великолепный стиль Люлли».
Позднее к ансамблю «Двадцать четыре скрипки короля» была добавлена двадцать пятая скрипка — знаменитый «король скрипачей» ученик Л. Константена Гийом де Мануар 1615— 1690 , единственный, кто осмелился соперничать с Люлли. Появляются многочисленные ансамбли бродячих музыкантов — певец и скрипач, певец и две скрипки. Скрипка широко используется в ярмарочно-балаганных представлениях, уличных концертах, благодаря своему яркому звуку, выразительности.
Многочисленные учителя танцев также используют скрипку как аккомпанирующий инструмент. Для этих целей появляются «карманные скрипки» — так называемые пошетты с небольшим корпусом в виде лодочки. Установившаяся сфера применения скрипки привела и к выработке традиционных приемов игры на ней, формированию ранних скрипичных жанров — песни позднее романса, арии с вариациями и сюиты танцев с вариациями типа старинного рондо. К этой поре относится и установление знаменитого правила: «на первой ноте такта следует всегда вести смычок вниз, а на следующей — вверх» Школа Мерсенна, 1636 г.
Подобное правило было вызвано к жизни тесной связью французского скрипичного искусства с танцем. Скрипач-танцмейстер вынужден был быть дирижером танца и движением смычка показывать сильную долю такта. Позднее этот прием формализовался и стал помехой выразительности. В отличие от виолы, в скрипичном исполнительстве широко применяются отрывистые и изящные прыгающие штрихи и такой прием, как вибрато.
В это время форма постановки рук скрипача отличалась от современной: скрипка держалась слева от подгрифа, была сильно опущена, а левая рука, из-за короткой шейки, была прижата локтем к корпусу скрипача. Смычок держался кончиками пальцев примерно на 10 см вверх от колодки, что облегчало исполнение штрихов особенно прыгающих и коротких , но затрудняло протяженное мощное звукоизвлечение. Одна из наиболее ярких страниц французского скрипичного искусства второй половины XVII века связана с, именем Жана Батиста Люлли 1632—1687. Необычайная одаренность — он был не только блестящим скрипачом и гениальным композитором, но и превосходным клавесинистом, органистом, гитаристом, дирижером, танцовщиком, актером, педагогом и организатором — позволила ему добиться объединения всех музыкальных сил Франции, утвердить единство скрипичного стиля на основе обобщения передовых достижений французского и итальянского скрипичного искусства.
Сын бедного итальянского мельника, Люлли родился во Флоренции в 1632 году. Он с детства хорошо пел и играл на гитаре. В 1646 году герцог де Гиз привез его в Париж и Люлли служил учителем итальянского языка, а затем музыкальным пажем у принцессы Монпасье. Успехи в занятиях на скрипке, а позднее на клавесине, органе и в музыкальной теории открыли ему дорогу в Королевскую капеллу, а затем в оркестр «Двадцать четыре скрипки короля».
Уже в 1652 году он становится руководителем этого ансамбля и вскоре добивается звания королевского композитора. Люлли сосредоточивает в своих руках все руководство придворной музыкой, получает звание секретаря короля. Затем реорганизует придворные оркестры: объединяет «Камеру» и «Капеллу», вводит в вокальную музыку орган, скрипки и альты, создает ансамбль «Малые скрипки короля» шестнадцать, а позднее — двадцать четыре инструмента для сопровождения короля в походах и путешествиях, а также использовавшийся как бальный. Люлли создает большие духовные произведения типа кантат, пишет пышные инструментальные концерты, оперы и балеты, далекие от прежней аристократической жеманности.
Помпезность и концертный блеск, яркая звучность, декламационный пафос становятся характерными чертами его стиля, о котором Ж. Лафонтен писал: «Чтобы теперь понравиться, нужно выставить двадцать клавесинов. У его инструментальных концертов громовая звучность, а его вокальные концерты походят на громкие возгласы солдат в день битвы». В 1672 году Люлли получает от короля привилегию на организацию всей музыки во Франции — право открывать музыкальные школы, давать разрешение на публичные музыкальные выступления.
По королевскому указу, «комедиантам запрещается пользоваться без письменного разрешения Люлли больше чем двумя голосами и двумя скрипками» — видимо, это был состав бродячих ансамблей. Люлли получил и право основать «Королевскую музыкальную академию» — французскую оперу. Развернулась жестокая борьба Люлли за осуществление своих диктаторских прав с «Обществом менестрелей» и его «королем» Гийомом де Мануаром Третьим, закончившаяся победой Люлли. Отдавшись организаторской деятельности, сочинению опер и балетов, Люлли совершенно перестает выступать как скрипач-солист.
Он организует большой оперный оркестр смешанного состава сорок семь музыкантов , а для наиболее пышных представлений подключает к нему и все королевские ансамбли. В оперном оркестре участвуют замечательные французские скрипачи — несколько представителей семейства Маршан, Ж. Ребель-отец, Ж. Анэ отец Жан-Батиста Анэ и др.
Руководили оркестром, кроме Люлли и его ученики Ж. Лалуэт и Коласс, а также знаменитый виолист М. Люлли много внимания уделял воспитанию оркестра, особенно скрипачей, от которых требовал беглости и «нервной четкости удара». Оркестр был блестяще сыгран, прекрасно читал с листа — искусство редкое в то время, когда многие ансамбли играли по слуху.
Люлли не допускал при исполнении «отсебятины». Им оставлены замечательные дирижерские традиции: «выразительный и отчетливый» ритм, подвижные темпы, хорошая атака звука знаменитый «первый удар смычка» в начале пьесы — эти черты были характерны для него и как скрипача. По отзыву его ученика Г. Муффата, оркестр Люлли характеризовался «точностью интонации, легкостью и ровностью игры, отчетливым и энергичным ударом всего оркестрового состава, берущего первый аккорд, неудержимым порывом и очень подчеркнутыми переменами темпов, гармоническим сочетанием силы и гибкости, грации и живости».
В партитурах своих опер он тщательно проставлял динамические оттенки и способы исполнения: «играть нежно, чуть касаясь струн», «не снимать сурдин раньше, чем это обозначено» и т. Люлли сам обучал и инструменталистов, и певцов, добившись замечательных успехов в своей педагогической деятельности. Среди его учеников — скрипачи Ж. Лалуэт, Ж.
Ребель, П. Жубер, Ж. Анэ отец , Паскаль, М. Лаланд, Вердье и др.
Люлли по праву считался лучшим скрипачом Франции. По отзыву Л. Вьевиля, «Люлли играл божественно. Со времен Орфея, Амфиона и других никто не извлекал из скрипки звуков, подобных тем, какие извлекал из нее Люлли».
Скрипичные произведения Люлли входят в его оперы, балеты, дивертисменты. Он дал блестящие образцы и скрипичного романса, и каприса, и танца с вариациями. Люлли широко использовал также декламационные интонации французских трагических актеров, в особенности ученицы Расина — Шанмеле, отличавшейся напевной манерой декламации, широкими интонационными линиями голоса Расин обозначал ей эту декламацию нотами с интервалами вплоть до октавы , тембровым богатством. Эту выразительность трагической декламации Люлли перенес и в свои скрипичные арии, напоминающие порой оперный речитатив примером может служить скрипичная ария из оперы «Армида», конец II действия.
Многие его арии носят элегическо-пасторальный характер, необычайно напевны, изящны. Наибольшей популярностью из них пользовалась ария из оперы «Кадм», отличающаяся плавностью мелодической линии, благородством выражения. Встречаются у Люлли и ярко индивидуализированные миниатюры. Например, танцевальная скрипичная мелодия из IV акта оперы «Альцеста», которая, по словам Люлли, «должна дышать затаенной радостью».
Люлли сохранил и укрепил давнюю связь французского скрипичного искусства с танцем. Ритмическая острота и четкость, развитая техника коротких динамичных штрихов — черты, идущие от народного инструментального искусства,— проявляются в его скрипичной балетной музыке, особенно в таком жанре, как танец с вариациями. В качестве примера можно указать скрипичную «Чакону» в балете «Кадм». Скрипичные арии в операх Люлли всегда заставлял повторять, придавая большое значение их выразительности в построении целого.
Известную роль в подготовке французского инструментального концерта сыграли и увертюры Люлли к операм, и большие вставные номера — «симфонии». Люлли создает тип французской увертюры, отличной от итальянских увертюр того времени С. Ланди, А. Скарлатти , построенных по типу: быстро — медленно — быстро.
В монументальных увертюрах Люлли проявляется героическое начало. Медленная величественная первая часть построена у него на ярких, запоминающихся мелодиях, не связанных с оперой. Вторая часть — фугированная, свободно текущая, легкая и прозрачная. Финал возврацает к начальным образам увертюры, но в сжатом и динамизированном виде зачаток репризного принципа.
Завершает увертюру мощная кода. Ведущую роль в увертюрах играли скрипки. Главные мелодии, поручавшиеся им, были настолько напевны, что ко многим из них были написаны слова, например к скрипичной арии увертюры «Беллерофонт». Увертюры Люлли оказали влияние на Генделя.
Их часто исполняли в Италии как увертюры к другим операм. Несколько иные функции выполняли вставные «симфонии». Это была своего рода программная музыка — пейзажно-поэтические картины, психологические зарисовки состояния героев. Не обращаясь к звукоподражанию, Люлли стремился пробудить у слушателей с помощью ярких выразительных средств ассоциации, близкие к переживанию данного состояния.
Популярность Люлли была огромна. Его мелодии распространились во всех слоях общества, а арии распевали на улицах бродячие музыканты. Люлли, по отзывам современников, нередко останавливал карету, подзывал к себе певца и скрипача, чтобы показать им правильный темп мелодии, которую они исполняли. Многие произведения Люлли превратились в народные куплеты, но надо учесть и то, что и его творчество было тесно связано с народным искусством.
Органически слив наиболее ценные элементы, он создал новый музыкальный язык, способный к большим художественным обобщениям, доступный различным слоям общества. В этом его большая заслуга как скрипача и композитора своей эпохи. Развитие скрипичного искусства во Франции шло параллельно с культивированием в дворянских кругах и в публичных выступлениях виртуозной игры на басовой виоле. Мягкий приглушенный звук виолы отвечал эстетическим вкусам знати.
Однако острое соперничество со скрипкой и виолончелью заставляло совершенствовать и виолу, и технику игры на этом инструменте. О «первом виолисте Парижа» Отмане ум.
Покупателям
- Подпишитесь на новости «МО»
- Навигация по записям
- Покупателям
- Добро пожаловать на сайт Федерального министерства иностранных дел
В Улан-Удэ выступила мировая джазовая звезда
струны больше не зажимают, а перебирают пальцами со специальными "ногтями" из металла или пластика. Начиная со второй половины двадцатого века, кяманча как и тар, стала одним из ведущих инструментов в составе оркестров народных инструментов и различных ансамблей в качестве сольного или аккомпанирующего инструмента. В дополнение к аккордеону, также популярным музыкальным инструментом во Франции является скрипка, которая часто используется в народной и классической музыке. Но возрождение народных инструментов в стране – задача государственного уровня. РИА Новости, 1920, 19.06.2023.
Видеоархив РЦНТ
струны больше не зажимают, а перебирают пальцами со специальными "ногтями" из металла или пластика. В данном разделе размещаются видеоролики Республиканского центра народного творчества Республики Башкортостан. В настоящее время колёсная лира нашла применение в народной музыке многих европейских стран, особенно популярна лира во Франции и Венгрии.
Мандора инструмент музыкальный
С 60-х годов прошлого века эти жанры стали неотъемлемой частью музыкальной жизни Франции. Французский шансон особенно известен благодаря исполнителям, таким как Шарль Азнавур, Мирей Матье и многим другим, которые создали классические хиты, ставшие символами французской музыки. Изучение традиционных инструментов позволяет лучше понять саму культуру и ее ценности.
Оркестр Пермской филармонии получил Гран-при во Франции Дата публикации: 14 мая 2021 Оркестр русских народных инструментов имени В. Салина Пермской филармонии стал лучшим среди коллективов народных инструментов из 23 стран мира. Коллективом управляет заслуженный работник культуры РФ, лауреат всероссийских и международных конкурсов Галина Токарева.
В 1581 Генрих III утвердил должность «главного интенданта музыки» при дворе, первым этот пост занимал итальянский скрипач Бальтазарини де Бельджозо. Важными центрами музыкального искусства вместе с королевским двором и церковью были также аристократические салоны. Расцвет Возрождения, связанный с формированием французской национальной культуры, приходится на середину 16 века. В это время выдающимся жанром профессионального искусства становится светская многоголосная песня — шансон. Её полифонический стиль получает новую трактовку, созвучную идеям Французских гуманистов — Рабле, КлеманМаро, Пьер де Ронсар. Ведущим автором шансонов этой эпохи считается КлеманЖанекен, который написал более 200 многоголосных песен. В эпоху Возрождения возросла роль инструментальной музыки. В музыкальном быту были широко распространены виола, лютня, гитара, скрипка как народный инструмент. Инструментальные жанры проникали как в бытовую музыку, так и в профессиональную, отчасти церковную. Лютневые танцевальные пьесы выделялись среди господствующих в 16 в. Характерным было объединение двух или нескольких танцев по принципу ритмического контраста в своеобразные циклы, которые стали основой будущей танцевальной сюиты. Более самостоятельное значение приобрела и органная музыка. Возникновение органной школы во Франции кон. В 1570 году Жан-Антуаном де Баифом была основана Академия поэзии и музыки. Участники этой академии стремились возродить античную поэтико-музыкальное метрику, защищали принцип неразрывной связи музыки и поэзии. Гугенотские песни использовали мелодии популярных бытовых и народных песен, приспосабливая их к переведенным французским богослужебным текстам. Чуть позже религиозная борьба во Франции породила гугенотские псалмы с характерным для них переносом мелодии в верхний голос и отказом от полифонических сложностей. Крупнейшими композиторами-гугенотами, составлявшими псалмы, были Клод Гудимель, Клод Лежён. Важным рубежом в формировании французской музыкальной культуры стал 17 век. В этот период произошла не только смена культурных эпох: на смену ренессансу пришли сперва классицизм, а потом витиеватый барокко, но и смена приоритетов. Именно тогда светская музыка окончательно берет вверх над религиозной и в дальнейшем именно она формируют французскую музыкальную культуру, устанавливает каноны, моду, стиль, ведущие направления, тенденции и жанры. Эти два фактора способствовали развитию важнейших жанров того времени — оперы и балета. Годы правления Людовика XIV отмечены необыкновенной пышностью придворной жизни, стремлением знати к роскоши и утонченным увеселениям. Не зря этого короля называли Король-солнце. Все утопало в пышности, блеске и великолепии. Французский двор сиял, подобно Олимпу. В этой связи большая роль отводилась придворному балету. Как ни странно, но существенную роль в развитии музыкальной культуры пусть и опосредованно сыграл кардинал Мазарини, всячески способствуя усилению при дворе итальянского влияния. Знакомство с итальянской оперой послужило мощным стимулом к созданию своей национальной оперы, первый опыт в этой области принадлежит Элизабет Жаке де ла Герр «Триумф любви», 1654. В 1671 году в Париже открылся оперный театр под названием «Королевская академия музыки». Его возглавил Ж. Эта выдающаяся личность сейчас считается основоположником национальной оперной школы. Люлли создал ряд комедий-балетов, ставших предтечей жанра лирической трагедии, а позже — оперы-балета. Люлли внес существенный вклад и в развитие инструментальной музыки. Им был создан тип французской оперной увертюры термин утвердился во 2-й половине 17 в. Многочисленные танцы из его произведений крупной формы менуэт, гавот, сарабанда и др. В конце 17 — 1-й половине 18 века для французского театра писали такие знаменитые композиторы как Н. Шарпантье, А. Кампра, М. Делаланд, А. У преемников Люлли условность придворного театрального стиля усиливается. В их лирических трагедиях на первый план выступают декоративно-балетные, пасторально-идиллические стороны, а драматическое начало все более ослабляется. Лирическая трагедия уступает место опере-балету. Готье, который повлиял на клавесинный стиль Ж. Куперен , виольная М. Марен, который впервые во Франции ввел в оперный оркестр контрабас вместо контрабасовой виолы. Наибольшее значение приобрела французская школа клавесинистов. Ранний клавесинный стиль сложился под непосредственным влиянием лютневого искусства. В произведениях Шамбоньера сказалась характерная для французских клавесинистов манера орнаментации мелодии. Обилие украшений придавало произведениям для клавесина определенную изысканность, а также большую связность, «певучесть», «протяженность» отрывистое звучание этого инструмента. В инструментальной музыке широко использовалось применяемое ещё с 16 в. В 18 веке с ростом влияния буржуазии складываются новые формы музыкально-общественной жизни. Постепенно концерты выходят за рамки дворцовых залов и аристократических салонов. В 1725 А. Филидор Даникан организовал в Париже регулярные публичные «Духовные концерты», в 1770 Франсуа Госсек основал общество «Любительские концерты». Более замкнутый характер носили вечера академического общества «Друзья Аполлона» основано в 1741 , ежегодные циклы концертов устраивала «Королевская Академия музыки». В 20-30-е годы 18 в. Среди французских клавесинистов ведущая роль принадлежит Ф. Куперену, автору свободных циклов, основанных на принципах сходства и контраста пьес. Наряду с Купереном большой вклад в развитие программно-характеристической клавесиновой сюиты внесли также Ж. Дандре и особенно Ж. В 1733 году успешная премьера оперы Рамо «Ипполит и Арисия» обеспечила этому композитору ведущее положение в придворной опере — «Королевской академии музыки». В творчестве Рамо жанр лирической трагедии достиг кульминации. Его вокально-декламационный стиль обогатился мелодико-гармонической экспрессией. Большим разнообразием отличаются его двухчастные увертюры, однако представлены в его творчестве и трехчастные увертюры, близкие итальянской оперной «синфонии». В ряде опер Рамо предвосхитил многие поздние завоевания в области музыкальной драмы, подготовив почву для оперной реформы К. Рамо принадлежит научная система, ряд положений которой послужили основой современного учения о гармонии «Трактат о гармонии», 1722; «Происхождение гармонии», 1750, и др. Своей популярностью они уступают остросатирическим ярмарочным спектаклям, известным ещё с конца 17 века. Эти представления направлены на высмеивание нравов «высших» слоев общества, а также пародируют придворную оперу. Первыми авторами подобных комических опер были драматурги А. Лесаж и Ш. В недрах ярмарочного театра созрел новый французский оперный жанр — опера комик. Укреплению её позиций способствовали приезд в Париж в 1752 году итальянской оперной труппы, поставившей ряд оперу-буфф, в том числе «Служанка-госпожа» Перголези, и полемика по вопросам оперного искусства, разгоревшаяся между сторонниками буржуазно-демократические круги и противниками представители аристократии итальянской оперы-буфф, — т. В напряженной атмосфере Парижа эта полемика приобрела особую остроту, получила огромный общественный резонанс. Активное участие приняли в ней деятели французского Просвещения, поддержавшие демократическое искусство «буффонистов», а пастораль Руссо «Деревенский колдун» легла в основу первой французской комической оперы. Провозглашенный ими лозунг «подражания природе» оказал большое влияние на формирование французского оперного стиля 18 века. Труды энциклопедистов содержат также ценные эстетические и музыкально-теоретические обобщения. Грянула Великая французская революция. Она внесла огромные изменения во все области французской культурной жизни, и, разумеется, в сферу музыкального искусства. Музыка становится неотъемлемой частью всех событий революционного времени и приобретает социальные функции. Сама эпоха способствовала формированию и утверждению массовых жанров: песни, гимна, марша и других. Под влиянием французской революции возникли такие театральные жанры как апофеоз, агитационный спектакль с использованием больших хоровых масс. Отдельно следует упомянуть «оперы спасения», ставшие крайне популярными в ту тревожную, трагическую эпоху. В них особенно ярко звучала тема борьбы с тиранией, разоблачались пороки духовенства, прославлялись верность, преданность, патриотизм, жертвенность во благо народа и отечества. В связи с ростом патриотических настроений в обществе большое значение приобрела военно-духовая музыка, был основан оркестр Национальной гвардии. Революционные преобразования претерпела и система музыкального образования: в 1792 открылась музыкальная школа Национальной гвардии для обучения военных музыкантов, а в 1793 — Национальный музыкальный институт с 1795 — Парижская консерватория. Период наполеоновской диктатуры 1799—1814 и Реставрации 1814-15, 1815-30 не принесли французской музыке ярких достижений. Некоторое оживление в области культуры наметилось лишь к концу периода Реставрации. В 20-30-х 19 века складывалась французская романтическая опера, а так же жанр большой оперы на историко-патриотические и героические сюжеты. Одним из наиболее ярких представителей французского музыкального романтизма во всем мире по праву признан Г. Берлиоз, создатель программного романтического симфонизма. В годы II империи во Франции модной светской тенденцией становится увлечение кафе-концертами, театральными ревю, искусством шансонье. В этот период популярны и многочисленны водевили, фарсы, оперетты.
История История тамбурина достаточно богата, ведь инструмент относится к числу очень и очень старых. Назвать точную дату или хотя бы период его появления будет сложно, однако точно можно сказать, что самый первый такой инструмент появился в районе Ближнего Востока. Упоминания о нём встречаются даже в некоторых главах Библии, найти его можно было в Египте, а также в Ираке. Тесно связан этот инструмент и с некоторыми азиатскими народностями. Кроме того, наиболее часто его можно было встретить в Индии, в частности у коренных её жителей. Там тамбурин служил одним из главных атрибутов для шаманских религиозных обрядов. Инструмент использовался в основном для того, чтобы ввести шамана в транс. Сделать это было достаточно просто, так как этому способствовало монотонное звучание, вращение, звон, а также равномерные раскачивания. К данному атрибуту шаманы относились с уважением и большим трепетом, а потому передавался он исключительно по наследству. Там его достаточно быстро приспособили как аккомпанирующий инструмент для исполнения музыкальных произведений на флейте, именно он придавал мелодии особую ритмичность. Уже через некоторое время инструмент начал звучать буквально везде, начиная от улиц и заканчивая операми и балетами. Несмотря на то, что Франция — далеко не первое место, где появился тамбурин, его принято считать именно старинным французским музыкальным инструментом. Со временем этот музыкальный инструмент стал значимой частью народной музыки не только Франции, но и народов Испании, Италии, Великобритании. Интересно и то, что на тамбурин обратили внимание многие знаменитые музыканты и композиторы. Кстати говоря, именно композитор Вольфганг Амадей Моцарт одним из первых создал партию для такого музыкального инструмента, как тамбурин. Композиция, в которой присутствует данная партия, носит название «Deutsche Tanze». К XIX столетию данный музыкальный инструмент заявил о себе и в Америке.