Сегодня немое кино с музыкальным сопровождением тапера возродили в Новосибирске. История с таинственными исчезновениями ведущих перед мероприятием уходит своими корнями еще во времена немого кино.
Немое кино. Смотреть или нет?
Это было обусловлено чисто технически. Стандартная катушка «Эдисон-Кодак» банально не могла вместить в себя плёнку большей длины. Более того, к тому времени ещё не были изобретены лентопротяжные механизмы, способствующие тому, чтобы слишком длинная плёнка не разрывалась внутри катушки киноаппарата. Проблему удалось решить в 1897 году изобретателю Вудвилу Латаму, который создал так называемую «петлю Латама», благодаря которой киноплёнка больше не разрывалась. Устройство петли Латама Со временем киноплёнка обрела технические стандарты, заключающиеся в наличии перфораций — отверстий, предназначенных для точного перемещения киноплёнки на шаг кадра при помощи скачкового механизма. В проекторах появились холостые лопасти обтюратора. В совокупности эти нововведения устранили неустойчивость и мелькание изображения, характерные ранее выпущенным фильмам. Зрительский глаз перестал уставать уже спустя несколько минут после начала просмотра.
Увеличилась общая длина метража киноплёнки и соответственно количество воспроизводимых минут. Кинематограф подошёл к моменту полноценного становления, как отдельного вида искусства. Терминология и технические стандарты Вообще называть немое кино «немым» не совсем правильно. Исходя из определения, немой фильм — это фильм, в котором отсутствует записанный и синхронизированный звук. В частности при просмотре немного фильма зритель лишается возможности слышать диалоги между персонажами. Однако в подавляющем большинстве случаев немые картины конца XIX - начала XX века сопровождались живой музыкой, а поэтому совсем беззвучными назвать их было нельзя. Идея комбинировать движущиеся картинки на экране с заранее записанным звуком почти также стара, как и идея эти картинки на экране показывать.
Но в связи с техническими ограничениями и отставанием развития аудио-составляющей процесса кинопроизводства внедрение синхронизированного диалога и фоновых звуков в фильмы стало возможным только в конце 1920-х годов с появлением звукозаписывающей системы Витафон. Легенда немого кино Чарли Чаплин Почему кино «немое»? Термин «немое кино» является ретронимом, то есть обозначает новое имя или название предмета, явления или действия, изменённое после того, как первоначальное наименование было использовано для обозначения нового предмета или комплекса предмета нового и ранее существовавшего. Иными словами, до появления звукового кинематографа, как такового понятия «немое кино» не существовало. Для зрителей того времени это было просто кино и являлось оно не большим, чем технически более совершенной и привлекательной альтернативой театра. С появлением в картинах синхронизированного звука ранее вышедшие фильмы стали нуждаться в новом определении. Кинематограф конца XIX - начала XX века обрёл название «немое кино», в конечном итоге отграничившись рамками целой эпохи.
Бастер Китон, Эдвард Ф. Клайн, 1920 год По тому же принципу, к слову, «акустическая гитара» появилась только после создания электрогитары, а Первая мировая война стала «первой» исключительно после того, как мир столкнулся со Второй мировой войной и тд. С точки зрения техники Эпоха немного кино подарила индустрии множество технических решений, часть из которых имеет место и в сегодняшнем дне. Почти все кинокартины того времени выпускались на 35-мм киноплёнке с двухсторонней перфорацией и шагом кадра в 19 мм. Изначально система обработки киноплёнки существовала в двух вариациях: «американской» и «французской». Главным отличием этих двух систем являлось количество и положение перфораций на плёнке в пределах одного кадра. Эдисон предлагал четыре прямоугольные перфорации на шаг кадра, Люмьеры отдавали предпочтение одной круглой.
Отличие американского слева и французского справа формата перфораций киноплёнки Несмотря на популярность и большую распространённость люмьеровского «Синематографа» именно система Эдисона была выбрана Конгрессом кинопредпринимателей в качестве общемирового стандарта, который к 1932 году стал основой для классического формата звукового кино. Вследствие этого «классическое» соотношение сторон экрана 1,33:1, характерное для немого кино слегка изменилось до «академического» 1,375:1. В современном кинематографе привычные для немого кино размеры кадра используются в кинематографической системе «Супер-35». Форматы кадра киноплёнки Скорость проецирования До стандартизации скорости проецирования в 24 кадра в секунду для звуковых фильмов в период с 1926 по 1930 годы немые фильмы снимались с переменной скоростью от 12 до 40 кадров в секунду. Стандартной скоростью проецирования немого кино в то время считалась частота кадров, равная шестнадцати в секунду. Такая скорость закрепилась после успеха «Синематографа» братьев Люмьер, которые посчитали, что это более чем достаточный показатель для комфортного просмотра фильмов.
Остальное льется рекой. Но ценится ли то, что дается легко? В стремительный век кажется скучно копаться в сундуке прошлого. А зря. Фильмы Чаплина нафталином не пропахли. Живые и актуальные. Достаточно посмотреть «Новые времена», чтобы найти массу параллелей с современностью. О том, как бездушная техника своим эволюционным напором давит растерявшегося человека. Сколько вокруг нас людей, которые в техногенный век совершенно не в силах адаптироваться к компьютерному и виртуальному миру. Они подобны маленькому бродяге, провалившемуся словно в пропасть в монументальный механизм из огромных шестеренок. Сюрреалистическая картина общества: живой человек — Чаплин — лишь винтик в чреве гигантского индустриального монстра. Так было 85 лет назад, немногим суть отличается от сегодня. Зубцы шестеренок заменили неосязаемые байты информации. Не более... Любые технологии изначально несовершенны, вызывают недоверие и страх. Первые звуковые фильмы стали заложниками сложностей синхронизации картинки и фонограммы. Модная тенденция привела к заметному снижению художественности лент. Это отмечали ведущие советские кинематографисты. Всеволод Пудовкин, Сергей Эйзенштейн и Григорий Александров выступили со «Звуковой заявкой», предостерегая от злоупотребления звуком. Новые идеи и времена не нравились Чаплину. Он болезненно ощущал их наступление, но не хотел к ним приспосабливаться. Не признавал цвет и не любил звук. Не принимал отрешенную механику конвейерного типа. Еще в 1929 году Чаплин резко выступил против звукового кино: «Разговорный фильм хоронит пантомимную традицию, которую мы с превеликим трудом дали кинематографии и по которой следует судить о киноискусстве. Когда судьба многолетнего творчества оказалась заложником обстоятельств, Чаплин упрямо доказывал своим талантом широкие возможности кинопантомимы, словно умелый жонглер или фокусник, искусно держал зрителя в постоянном напряжении. Это не современные сериалы, где правит бал диалог, звучащий с телеэкрана словно радиоспектакль. В немом кино глаз не отвести.
В нем есть традиции прошлого и настоящего. Этот фильм — моя жизнь», - рассказывает о работе над фильмом сам Владислав. У фильма уже достаточно богатая фестивальная история — только недавно картина получила приз на фестивале независимого кино в Орландо Orlando Film Festival в номинации «Лучшая работа художника-постановщика». Мировая премьера фильма состоялась на кинофестивале Sedona International Film Festival в 2023 году, который проходит ежегодно в Седоне, штат Аризона. Картина получила главный приз в номинации «Лучший полнометражный фильм». Напомним, что в российский прокат фильм выйдет 29 февраля 2024 года.
В итоге Бродяга и подкидыш становятся друг другу семьей. Джеки Куган, сыгравший малыша Джона, стал первым в истории мирового кинематографа ребенком-кинозвездой — Чаплин увидел талантливого мальчика на сцене и пригласил участвовать в съемках. Фильм можно будет посмотреть в кинотеатре «Искра» 28 октября. Ее сюжет еще более сентиментален: Бродяга влюбляется в слепую девушку, торгующую цветами на улице. Узнав, что операция может вернуть ей зрение, он всеми силами старается заработать, в том числе подметая улицы и неудачно боксируя на ринге. Деньги на операцию Бродяга все-таки находит, но из-за этого попадает в тюрьму. Однако почти трагическая история на экране выглядит не такой уж грустной благодаря множеству веселых приключений и фирменных комедийных трюков Чаплина. Поиски сокровищ и сатира на фашизм «Золотую лихорадку» 1925 Чарли Чаплин считал своей лучшей комедией — критики называют ее одним из двух величайших немых комедийных фильмов вместе с «Генералом» Бастера Китона. Бродяга в надежде разбогатеть становится золотоискателем и отправляется на Аляску, где, конечно же, попадает в разнообразные курьезные ситуации. Кстати, с приходом звукового кино Чаплин в 1942 году сделал новую версию этого фильма — написал музыку и сам прочитал авторский закадровый текст. В основу сюжета картины «Огни рампы» 1952 , которую можно будет посмотреть 11 ноября, легли автобиографические события. Чаплин играет здесь безработного клоуна, который спасает от самоубийства молодую балерину. В широкий прокат картина вышла там лишь 20 лет спустя — тогда же, в 1972-м, ее номинировали на премию «Оскар» за лучшее музыкальное сопровождение.
На ММКФ-2024 покажут фильмы «Сотни бобров» и «Другая форма»
В Женеве на фестивале независимого кино Black Movie был показан фильм «Племя», все роли в котором сыграли глухие актеры-непрофессионалы. Жителей Светлогорска приглашают посетить фестиваль немого комедийного кино «Электричка». Он проходит в городе не в первый раз. Показ лучших немых комедий в сопровождении аутентичного джазового ансамбля.
Немое кино 1923 года «Три эпохи» покажут на фестивале в Светлогорске
Сюжет был до банального прост и полностью заключался в названии картины, однако публика была в восторге. Вскоре мир увидел другой фильм Люмьеров — более знаменитое «Прибытие поезда на вокзал Ля Сьота». Первый же полностью коммерческий сеанс «Синематографа» состоялся спустя пол года в индийском салоне «Гран-кафе» на бульваре Капуцинок в Париже. На сеансе были продемонстрированы 10 короткометражных фильмов продолжительностью не больше одной минуты. Там же была показана первая постановочная кинокомедия — «Политый поливальщик», для которой был создан первый в истории киноплакат. Естественно все фильмы были «немыми».
Однако зритель того времени выстраивался в огромные очереди, чтобы оценить новое чудо техники и стать уже не просто зрителем, а кинозрителем. Это было обусловлено чисто технически. Стандартная катушка «Эдисон-Кодак» банально не могла вместить в себя плёнку большей длины. Более того, к тому времени ещё не были изобретены лентопротяжные механизмы, способствующие тому, чтобы слишком длинная плёнка не разрывалась внутри катушки киноаппарата. Проблему удалось решить в 1897 году изобретателю Вудвилу Латаму, который создал так называемую «петлю Латама», благодаря которой киноплёнка больше не разрывалась.
Устройство петли Латама Со временем киноплёнка обрела технические стандарты, заключающиеся в наличии перфораций — отверстий, предназначенных для точного перемещения киноплёнки на шаг кадра при помощи скачкового механизма. В проекторах появились холостые лопасти обтюратора. В совокупности эти нововведения устранили неустойчивость и мелькание изображения, характерные ранее выпущенным фильмам. Зрительский глаз перестал уставать уже спустя несколько минут после начала просмотра. Увеличилась общая длина метража киноплёнки и соответственно количество воспроизводимых минут.
Кинематограф подошёл к моменту полноценного становления, как отдельного вида искусства. Терминология и технические стандарты Вообще называть немое кино «немым» не совсем правильно. Исходя из определения, немой фильм — это фильм, в котором отсутствует записанный и синхронизированный звук. В частности при просмотре немного фильма зритель лишается возможности слышать диалоги между персонажами. Однако в подавляющем большинстве случаев немые картины конца XIX - начала XX века сопровождались живой музыкой, а поэтому совсем беззвучными назвать их было нельзя.
Идея комбинировать движущиеся картинки на экране с заранее записанным звуком почти также стара, как и идея эти картинки на экране показывать. Но в связи с техническими ограничениями и отставанием развития аудио-составляющей процесса кинопроизводства внедрение синхронизированного диалога и фоновых звуков в фильмы стало возможным только в конце 1920-х годов с появлением звукозаписывающей системы Витафон. Легенда немого кино Чарли Чаплин Почему кино «немое»? Термин «немое кино» является ретронимом, то есть обозначает новое имя или название предмета, явления или действия, изменённое после того, как первоначальное наименование было использовано для обозначения нового предмета или комплекса предмета нового и ранее существовавшего. Иными словами, до появления звукового кинематографа, как такового понятия «немое кино» не существовало.
Для зрителей того времени это было просто кино и являлось оно не большим, чем технически более совершенной и привлекательной альтернативой театра. С появлением в картинах синхронизированного звука ранее вышедшие фильмы стали нуждаться в новом определении. Кинематограф конца XIX - начала XX века обрёл название «немое кино», в конечном итоге отграничившись рамками целой эпохи. Бастер Китон, Эдвард Ф. Клайн, 1920 год По тому же принципу, к слову, «акустическая гитара» появилась только после создания электрогитары, а Первая мировая война стала «первой» исключительно после того, как мир столкнулся со Второй мировой войной и тд.
С точки зрения техники Эпоха немного кино подарила индустрии множество технических решений, часть из которых имеет место и в сегодняшнем дне. Почти все кинокартины того времени выпускались на 35-мм киноплёнке с двухсторонней перфорацией и шагом кадра в 19 мм. Изначально система обработки киноплёнки существовала в двух вариациях: «американской» и «французской». Главным отличием этих двух систем являлось количество и положение перфораций на плёнке в пределах одного кадра.
Сегодня во многих столичных кафе крутят в режиме нон-стоп немые, в основном американские фильмы, не всегда корректно выставляя скорость демонстрации, поэтому фильмы производят комический эффект. Снимались ли исполнители главных ролей в звуковом кино? И Лиллиан Гиш, и Ларс Хансон успели сняться в звуковом, но считаются звёздами именно немого кино. Лиллиан Гиш повезло больше: она снималась, хоть и не в главных ролях, работала в театре и на телевидении и завершила карьеру в возрасте 93 лет. Карьера Хансона не сложилась в Голливуде, но он реализовал себя на театральной сцене. Зрители интересовались, полный ли это фильм, или какие-то части его были утеряны. Наталия Мокрушина убеждена, что этого нельзя утверждать с уверенностью, но по мнению её коллег, это полный фильм, и они выбирали к просмотру именно такие полные фильмы. Однако стопроцентной уверенности, конечно, нет. Возможно, какие-то фрагменты были утеряны, но это никак не повлияло на сюжет фильма. Сейчас мы можем судить о полноте фильма по метражу, но надо учитывать, что фильм подвергался повторной редакции. Сама Лиллиан Гиш в мемуарах писала о другой концовке, не такой трагической, как в одноимённом романе Дороти Скарборо. Как современники приняли фильм? Можно сказать, что не слишком восторженно. Пресса писала, что фильм затянут, слишком много посвящено ветру, но ведь фильм так и называется — «Ветер». В 1928 году уже вышел первый звуковой фильм «Певец из джаза», и люди хотели смотреть именно звуковое кино.
Подача в этой короткометражке, по словам Сергея Толстова, совершенно иная. Начало ХХ века — последний период, когда Франция была лидером кинематографа. С ее киносинтаксисом не могла тягаться даже Америка с голливудским индустриальным подходом. Не могли похвастаться таким классным монтажом, подходом к выбору декораций, работой с сюжетом и сценарием. Всем этим примечателен фильм «Железные зубы», снятый в 1913 году», — комментирует Толстов. Фильм «Макс боится воды» с козырем в рукаве в виде главного героя — прототипом Антона Лапенко и самым знаменитым кинокомиком до Чарли Чаплина — Максом Линдером. Первый из них — талантливый француз Габриэль Лёвьель, более известный как Макс Линдер. Когда-то бывший суперзвездой кинематографа, он ездил по миру с гастролями и создал свой собственный, узнаваемый и очень нравящийся людям кинообраз буржуазно-безработного денди» — комментирует организатор кинопросмотра. Герой Линлера занят тем, что ищет себе невесту или просто весело проводит время, попадая в проблемные ситуации. Образ всегда одетого с иголочки черноусого рантье с ослепительной улыбкой, цилиндром, тростью и в классном костюме, был революционным в то время. Когда Макс Линдер стал популярным, он сконцентрировался на этом персонаже и снял порядка 300-400 короткометражек про этого героя. Фильмы назывались «Макс ищет невесту», «Макс нашел невесту», «Макс напился на стойке». Получилось некое реалити шоу, люди забыли, что на самом деле его зовут Габриэль и следили за жизнью Макса, все время ожидая новых историй», — пояснил Сергей Толстов. По его мнению, немое — совсем не значит безмолвное. Сам термин, на мой взгляд, не очень удачен — нам кажется, что фильмы чего-то лишены.
В одну из стен встроен разводной мост. Внутри замка построили небольшие дома, двор, где сожгли героиню, и собор. И наконец, весь набор декораций покрасили в розовый цвет, чтобы на чёрно-белой плёнке они казались серыми и контрастировали с белым небом над ними. Самое забавное, что фильм снят преимущественно крупными планами. Все исполинские декорации, возведённые при кропотливом участии специалистов по истории архитектуры, в кадре почти не видны. Впрочем, это не показалось забавным продюсерам, которые потратили на площадку много денег.
В кинотеатре «Украина» открылась выставка «Великий Немой в России: из Петербурга в Крым»
В немом кино было много уникальных явлений, которые прекратили свое существование с приходом звука. Темная, преступная, огромная: Москва в немом кино России. Искусству плаката в немом кино посвящена выставка в Библиотеке Эйзенштейна. Период немого кино начался с момента изобретения кинопроизводства и полностью завершился в середине 30-х годов XX века: несмотря на очевидные ограничения.
Искусство на реверсе: почему современные режиссёры снимают немое чёрно-белое кино
| Узнать больше о немом кино | Все самое интересное и лучшее по теме немое кино на развлекательном портале |
| Ожившие полотна и громкое немое кино! Доброе утро. Фрагмент выпуска от 08.04.2022 | 12 февраля историк кино, киновед Евгений Марголит приглашает любителей и ценителей немого кинематографа посмотреть, в рамках своего авторского цикла «Немое кино с живой. |
13 октября 2022 года в кинозале Дарвиновского музея
- Самое популярное
- Русский американец Влад Козлов снял фильм о трагической судьбе Рудольфо Валентино
- Портал:Немое кино/Новости — Википедия
- {[ title ]}
- Лиллиан Гиш
Льготные категории посетителей
- Другие новости
- На Свердловской киностудии сняли немое кино с жителями города
- 85 лет назад мир прощался с немым кинематографом
- Немой заговорил: пять стадий принятия звука в кино
- Сейчас в соцсетях - #немое_кино - последние новости, свежие события сегодня - Новости
Немое кино «Когда ведущий не пришел»
В 2019 году российский режиссёр Владислав Козлов планирует показать миру «Смерть Шейха» Silent Life , немую биографическую драму о первом секс-символе Голливуда. И нетрудно догадаться, в какую эпоху происходит действие фильма. И в этом кроется причина, по которой немому кинематографу не суждено возродиться. Что общего у этих фильмов? Их сняли в эпоху звукового кино, но умело использовали все формальные признаки немого для передачи духа времени. Немота фильмов XXI века — это не столько попытка воссоздать жанр, сколько стилизация под культовое и неповторимое. Необычная форма для звукового кино. Ну и, конечно, сразу возникают претензии на массовость, а потому использовать привычный, полюбившийся образ немого кино будет гораздо выигрышнее и, следовательно, прибыльнее. Немой кинематограф — это чистая эмоция. Язык эмоций знаком всем, кто способен их испытывать. Зритель любой части планеты может понять героя, «говорящего» на этом языке.
И всё же в начале двадцать первого столетия язык чистой эмоции почему-то остаётся в декорациях начала двадцатого. Может быть, потому что звуковое кино помнит немое только таким, каким оно было на смертном одре? И если немое кино задумает воскреснуть, то оно должно будет наверстать упущенные десятилетия развития форм и жанров. Ему нужна будет эволюция классических образов.
Все музыканты будут участвовать в проекте, находясь у себя дома.
Сопровождать картины будут профессиональные музыканты. Вы услышите музыку, специально написанную нашими музыкантами для каждого фильма».
Австрийское фортепиано с историей именитый музыкант оценил как отличное и мягкое. Для него фортепиано — живой инструмент. За свою карьеру музыканту удалось сыграть на редчайших клавишных самого Шопена, Чайковского, Рахманинова, Екатерины Второй и даже Гиммлера! Аккомпанирует немому изображению на экране импровизацией: солдатам — марш, играющим детям — задорную польку. Некоторые фильмы представить без музыки невозможно. Знаменитый фильм «Александр Невский» Прокофьев писал покадрово под музыку. Звуковой ряд — обязательный атрибут. Правда, сейчас это все сошло на нет, не пишут ноты, играют за компьютером, что мне не очень нравится, - считает Геннадий Пыстин.
Нам надо возродить традицию. То, что происходит сейчас — возрождение целого культурного слоя, потому что озвучивание немого кино — целая история». Сама атмосфера здесь располагает к просмотрам старых фильмов — первые киносъемочные аппараты, коробки с 35-мм пленкой.
Смотреть или нет? Поделиться новостью 17. Сняли с общего плана двух героев, идущих навстречу друг другу. А потом стали к этому бесхитростному кадру подкладывать разную музыку. И восприятие нами отснятой картинки стало меняться, — с лирической музыкой она стала романтичной, с тревожной музыкой — опасной, с весёлой музыкой — смешной. Так музыка помогает создать нужную атмосферу, расставить акценты и эмоционально воздействовать на зрителя.
С помощью музыки и вообще без слов мы получили разный контекст для одного и того же кадра.
Премьера документального фильма Бориса Дворкина "Дневник "белой вороны"
В 1917 году режиссер, сценарист, один из пионеров русского кинематографа Александр Ханжонков основал в Ялте легендарную киностудию. Здесь же, на крымском побережье, закончилась история дореволюционного российского кинематографа. Прошло больше века с появления кинематографа. Сейчас киноиндустрия предлагает зрителю высокохудожественные, интеллектуальные и технические кинокартины. Но мы всегда с улыбкой и легкой ностальгией будем вспоминать киноленты эпохи немого кино. Великий Немой навсегда покорил наши сердца. Выставка продолжит свою работу до 20 ноября 2022 года в кинотеатре «Украина» ул. Ленина, 35.
Кроме этого, Мельес использовал в работах спецэффекты и монтажные трюки. По сути, именно он создал «художественное кино» в противовес документалистике Люмьеров», — рассказал Сергей Толстов. Они встают с кровати, выходят на улицу, выполняют свою работу и идут в кабак, откуда их хозяина выгоняют из-за драки. Дальше эти ноги пытаются занять себя чем-то, влезая в любовную перипетию. Оказывается, всего двух ног может быть достаточно, чтобы рассказать историю целого человека? Они поняли — куда камера смотрит, такой мир и создается. Этот фильм — пример того, как можно рассказать историю, показывая только ноги. Это такой метафизический вопрос: сколько элементов нужно увидеть, чтобы сложилась какая-то история? Следующим показали «Железные зубы» Леонса Перре с философским подтекстом про молодого фельдшера, выехавшего к больному ребенку и попавшего в неприятную передрягу. Подача в этой короткометражке, по словам Сергея Толстова, совершенно иная. Начало ХХ века — последний период, когда Франция была лидером кинематографа. С ее киносинтаксисом не могла тягаться даже Америка с голливудским индустриальным подходом. Не могли похвастаться таким классным монтажом, подходом к выбору декораций, работой с сюжетом и сценарием. Всем этим примечателен фильм «Железные зубы», снятый в 1913 году», — комментирует Толстов. Фильм «Макс боится воды» с козырем в рукаве в виде главного героя — прототипом Антона Лапенко и самым знаменитым кинокомиком до Чарли Чаплина — Максом Линдером.
Берлин накануне экономического кризиса, почти отсутствующий бюджет на съемки, небольшой состав актеров-любителей, не сработавшаяся съемочная группа, отсутствие студийной поддержки. Тем не менее фильм вышел на экраны в 1930 году и оказался весьма успешным для малобюджетной картины без громких имен. Тогда негромких. Они с трудом договаривались между собой и единственное, что тогда их объединяло — желание показать на экране жизнь как она есть, во всей ее непосредственности.
Более того, это была весьма ответственная работа. Слишком медленное проецирование плёнки на основе нитрата целлюлозы было сопряжено с риском возгорания, поскольку каждый кадр в течение длительного времени подвергался воздействию высокой температуры проекционной лампы. Слишком же быстрое воспроизведение было чревато появлением головокружения и чувства тошноты у зрителей. В балансе находилась истина. Бастер Китон и киноплёнка Однако зачастую скорость воспроизведения того или иного фильма предопределялась заранее, исходя из жанровой принадлежности, характера публики, популярности картины или времени суток её показа. Например, для «оживлённой» публики было принято проецировать фильмы с частотой кадров 20-30 в секунду, тогда как для публики более спокойной частоту снижали до 18-24 кадров. Комедии показывались в ускоренном формате, фильмы ужасов обычно замедляли. Также имело место банальное увеличение скорости воспроизведения с целью повышения «проходимости» залов ради финансовой выгоды. Доходило до того, что фильмы проецировались с невероятной для того времени скоростью в 50-60 кадров в секунду. Изображение искажалось до неузнаваемости, а зрителям становилось не по себе. В связи с этим немецкая полиция даже выпустила постановление о запрете проецирования кинофильмов с частотой кадров выше стандартной. Например, многие сцены из фильма «Кабинет доктора Калигари» 1920 с Фридрихом Фехером в главной роли имели янтарный оттенок. С конца XIX века в кинематографе появилось понятие «тонирование» плёнки. Суть этого процесса заключалась в химической обработке чёрно-белого позитива или отдельного кадра , приводящей к изменению окраски тона этого кадра. Фильм целиком или отдельные сцены не становились разноцветными, однако они приобретали один общий оттенок, характеризующий то или иное настроение экранного действия. Чаще всего картины тонировались в синие, жёлтые, красные оттенки, или оттенки сепии. Роберт Вине, 1920 год Ручное нанесение краски на плёнку началось в 1894-1895 годах в Соединенных Штатах, когда Томас Эдисон выпустил в прокат отобранные вручную и склеенные части тонированной плёнки под названием «Танец бабочек» или «Змеиный Танец Аннабель» 1895. В этом, к слову, первом цветном фильме, по крайней мере, произведённом Томасом Эдисоном, Аннабель Уитфорд, юная танцовщица с Бродвея танцует в красивом платье в течение тридцати секунд. По ходу танца цвет платья девушки меняется от белого до красного и наоборот. Такая техника окраски киноплёнки была разработана, чтобы запечатлеть эффект живых выступлений американской актрисы Лой Фуллер, начиная с 1891 года, в которых сценическое освещение с особыми цветными гелями создавало ощущение художественных движений рукавов и подола её прекрасного платья. Эксперименты с цветной плёнкой продолжались до 1909 года. Потребовалось гораздо больше времени, чем ожидалось изначально, чтобы цвет в кино вошёл в более массовый оборот, перейдя из категории опытного исследования в полноценную разработку. Томас Эдисон, 1895 год Однако кино не сразу стало цветным именно в том понимании, о котором мы привыкли думать сейчас. Первые, так называемые, «цветные» фильмы представляли собой скорее небольшие палитры с набором нескольких красок, нежели полноценные разукрашенные полотна. В самых ранних цветных фильмах синий цвет обычно означал ночные сцены, жёлтый или оранжевый — дневные. Красный символизировал огонь или любовные настроения, а зелёный — таинственную атмосферу. Сочетание различных цветов и эффектов давало поистине поразительные результаты для того времени. Сирл Доули, 1910 год Если говорить о чисто технической стороне вопроса, то окрашивание плёнки в тот или иной цвет основывалось на различных химических реакциях, проводимых между собственно плёнкой и специальными реагентами. Также довольно часто использовались и такие органические красители, как пиронин, фуксин, родамин — для красного цвета; метиленовый голубой — для голубого и синего; малахитовый зелёный или метиленовый зелёный для зелёного оттенка плёнки. Фотографии, тонированные в разные цвета. Вверху исходный цветной снимок, в центре его редукция до чёрно-белого, внизу — сепия Ручная окраска киноплёнки часто использовалась в ранних европейских фильмах жанра фэнтези, особенно в фильмах Жоржа Мельеса. Максимально точное тонирование плёнки применялось в мастерской Элизабет Тюилье в Париже, где группы художников-женщин вручную добавляли слои цвета к каждому кадру, вместо того, чтобы использовать более распространенный и менее затратный процесс трафарета, при котором краска на плёнку наносилась за раз по заранее готовым лекалам. Например, отреставрированная версия фильма Жоржа Мельеса «Путешествие на Луну» 1902 года демонстрирует обильное использование цвета, призванного добавить изображению текстуру и объёмность. Жорж Мельес, 1902 год В начале XX века больше всего к окрашиванию немых фильмов прибегали во Франции. Об этом свидетельствуют данные каталога американских дистрибьюторов кинолент от 1908 года. Исходя из этих данных становится очевидно, что за окрашенные вручную фильмы дистрибьюторы просили большие суммы, чем за более классические чёрно-белые варианты. В каталоге такие фильмы именовались, как «ленты высокого класса». Например, обычная копия фильма «Бен Гур» 1907 года предлагалась за 120 долларов 3415 нынешних долларов , а цветная версия того же 12-минутного фильма стоила уже 270 долларов 7683 доллара , включая дополнительные 150 долларов за тонирование картинки. Да, тонировать киноплёнку вручную было удовольствием не из дешёвых. И пусть причины указанной надбавки были, вероятно, очевидны для покупателей и владельцев кинотеатров того времени, французские дистрибьюторы объясняли, почему цветные плёнки в их каталогах имели значительно более высокие цены и требовали большего времени для доставки в кинотеатры, сравнивая свои технологии с процессом раскрашивания киноплёнки, характерным для Соединённых Штатов Америки. Постер фильма «Бен Гур» 1907 года Ручное раскрашивание кинофильмов требовало огромного количества времени и трудозатрат. Шутка ли, но каждый колорист должен был обработать до 16000 отдельных кадров на каждые 300 метров плёнки. В связи с отсутствием технологии трафаретного окрашивания на территории США, американские художники очень неохотно брались за работу по тонированию фильмов. Противоположная ситуация обстояла во Франции. Поскольку окраска плёнок в стране любви и багетов прогрессировала намного быстрее, чем в любой другой, все работы по тонированию фильмов выполнялись в лучших мастерских Парижа методом трафаретного нанесения красок, о котором говорилось выше и который ускорял работу художников в разы, сокращая и расходы, и время. Евгений Бауэр, Вячеслав Висковский, 1915 год К началу 1910-х годов, с появлением полнометражных фильмов, тонирование использовалось как ещё один параметр передачи настроения сцены, столь же обыденный, как и оркестровая фоновая музыка. Режиссёр Д. Гриффит проявлял большой интерес к разному цвету отдельных кадров и использовал тонирование, как особый эффект во многих своих фильмах. В его эпосе 1915 года «Рождение нации» использовалось несколько цветов, в том числе янтарный, синий, лавандовый и яркий красный оттенок, для таких сцен, как, например, «сожжение Атланты» или «появление Ку-клукс-клана». Позже Гриффит лично изобретёт цветовую систему, в которой цветные огни вспыхивали на областях экрана за полотном кинотеатра для получение того или иного оттенка разных частей кадра. Сцена с красным оттенком, в которой демонстрируются участники Ку-клукс-клана в фильме «Рождение нации» Д. Гриффита В конечном итоге технологии тонирования плёнки так и не удалось прижиться в мире массового кинопроизводства. Преградой для дальнейшего развития подобного раскрашивания фильмов стало появление звука, интегрируемого непосредственно на плёнку. Именно с появлением звукового кино кинопроизводители отказались от техники тонирования плёнки. Причина была до банальности проста — красители, используемые в процессе тонирования нарушали работу звукового сопровождения, приводя киноплёнку в негодность. И если в то время это не было чем-то необычным, то, конечно, для современного зрителя подобный подход к воплощению роли, скорее покажется комичным, упрощённым или вовсе манерным. Чарльз Чаплин, 1931 год Искусство актёрского мастерства эпохи немого кинематографа корнями напрямую нисходило к театральным подмосткам. Именно из закулисья театральных сцен XIX века, сделав решительный шаг вперёд и встав перед камерой подавляющее большинство актёров ступили на новый виток собственных карьер. Отсюда и зародилась изначальная карикатурность демонстрируемых на экране образов того времени. Всё позапрошлое столетие, что, к слову, было обусловлено ещё драматургическими законами античности, сценарно-исполнительское дело всецело умещалось в рамки определённых формальных категорий. Театральный репертуар составляли в основном мюзиклы, водевили, мелодрамы и оперы. Сцена из водевиля «Беда от нежного сердца», 1901 год Все эти жанры объединяла одна характерная черта — грубый иллюстративный актёрский стиль исполнения. В то время актёр был в большей степени инструментом, причём инструментом не заточенным — актёр всегда оставался лишь физическим воплощением отдельных эмоций. Его основную роль видели исключительно в оживлении идей произведения в грандиозно-символической манере. И как в своё время театр был местом, где повествование всегда находилось выше жизни, так и кинематограф на этапе своего становления перенял эту гротескную особенность сполна. Единственно важной вещью, требуемой от актёров того времени была коммуникативная ясность в отношении к зрителю, зачастую граничащая с противоположением реализму. Всё внимание отдавалось анализу того, какие жесты и методы вокальной артикуляции способствовали чистому воплощению драматических эмоций, как на сцене, так и на экране. Ведь по своей сути многие фильмы эпохи немого кино представляли собой более усовершенствованные театральные постановки. Чарльз Чаплин, 1917 год Конечно, хотя подобное «карикатурное поведение» актёров перед кинокамерой и оказалось совершенно естественным продолжением одной формы искусства в другую, люди довольно быстро почувствовали, что в кино так быть не должно. Например, американский сценарист и режиссёр Маршалл Нейлан в 1917 году активно критиковал безоговорочную монополию театральных актёров в мире кинематографа. Чем раньше люди пришедшие в мир кино с театральной сцены и принёсшие с собой оттуда все законы, уйдут, тем лучше будет для кинокартин Маршалл Нейлан, Американский сценарист и режиссёр В других случаях, не пытаясь критиковать или обвинять кого-то, многие режиссёры просто требовали от актёров на съёмочной площадке больше выразительности, экспрессии и эмоционального отыгрыша. Одним из таких режиссёров, например, был Джон Гриффит Рэй. Уже с середины 1910-х зрители начали заявлять о своём предпочтении в демонстрации большей естественности на экране. Именно с этого времени немое кино стало менее водевильным, поскольку различия между сценой и экраном стали куда более очевидны. Благодаря работе таких режиссёров, как Дэвид Уорк Гриффит, кинематография стала менее «театральной», а развитие крупного плана позволило добиться большего реализма в актёрском мастерстве. Слева направо: Мэри Пикфорд, Дэвид Уорк Гриффит, Чарльз Чаплин, Дуглас Фэрбенкс Самый известный актёр эпохи немого кинематографа — Чарли Чаплин — в 1910-х годах ещё активно продолжал использовать приёмы пантомимы и буффонады в короткометражных комедиях, сюжет которых выстраивался вокруг образа «бродяги» и которые были поставлены на поток киностудией Кистоун. Однако начиная с 1920-х в его творчестве стали фигурировать значительно более серьёзные социальные темы, чем это было в раннем периоде короткометражного кино. Что, конечно, отражалось и на актёрской игре. Ровно тоже самое можно сказать и про другого, не менее важного человека, определившего вектор развития кинематографа в эпоху его безмолвия. Бастер Китон, будучи выходцем из водевильной семьи идентично Чаплину со временем переступил порог в сторону большего реализма в исполнительском ремесле. Бастер Китон и Чарли Чаплин, 1918 год Тем не менее, изначально тренд на натуралистичность и глубину эмоционального окраса в работе актёра начал зарождаться ближе к концу XIX века в Русском Театре. Новая тенденция захватила умы молодых актёров и режиссёров, бросая вызов вековым традициям театрального искусства. Тенденция эта обрела довольно прозаичное название — «Реализм». Новые театры «Реализма» стали полагаться на полную естественность пребывания на сцене, копая вглубь основополагающих допущений в символической структуре исполнения. Зачинщиком этого сценического переворота и главным вдохновителем идеи «Реализма» был Константин Станиславский. Создавая альтернативный подход, он пытался найти не просто новый набор символов или жестов, а открыть во всех отношениях иную методологию, через которую зритель сможет воспринимать актёрское мастерство. Русский театр конца XIX — начала XX века Станиславский считал, что по-настоящему прожить роль своего персонажа актёру помогают не определённый набор действий, демонстрирующий идеи произведения и чувства актёра, а его внутренние переживания, подкреплённые жизненным опытом. Самый чистый перфоманс по Станиславскому — тот, который актёр не ожидает сам. Тот, когда личность актёра растворяется в персонаже. Как говорил об этом сам Константин Станиславский, оперируя собственными понятиями, «искусство репрезентации» должно перерасти в «искусство представления». Иными словами, маска должна стать лицом актёра. Именно этот принцип со временем и обрёл статус основополагающего на поле мирового кинематографа. Константин Станиславский Используя наработанные методики Станиславского, по ту сторону океана такие режиссёры, как Альберт Капеллани и Морис Турнер, начали настаивать на реализме в своих фильмах. К середине 1920-х годов многие американские немые фильмы приняли более натуралистический стиль актёрской игры, хотя не все актёры и режиссёры сразу приняли эти изменения. Ещё в 1927 году фильмы с гротескными перфомансами, например, «Метрополис» Фрица Ланга, всё ещё продолжали выпускаться. Конечно, их доля с каждым годом становилась всё меньше. Также, по словам Антона Каеса, специалиста по немому кино из Калифорнийского университета в Беркли, в американском немом кино в период с 1913 по 1921 год, помимо воздействия идей Станиславского, начался сдвиг в актёрских техниках под влиянием приемов немецкого немого кино. В основном это было связано с притоком иммигрантов из Веймарской республики, включая режиссёров, продюсеров, операторов, светотехников, а также актёров и актрис. Фриц Ланг, 1927 год В конечном счёте, по ходу становления кинематографа, как искусства в эпоху экранной тишины актёрская игра перестала быть лишь чёткой репрезентацией или симулякром, а стала содержать тонкие оттенки уязвимости, начав фокусироваться на личности, подтексте и подсознательном. В 1950-х годах «искусство представления» дало на экране жизнь таким актёрам, как Марлон Брандо, Джеймс Дин и Монтгомери Клифт. К концу эпохи немого кинематографа актёры научились полностью проживать собственные роли, пропуская через себя все душевные переживания персонажей. И даже сам театр принял те изменения, причиной которых стал изначально, оставив карикатурное исполнения в прошлом, лишь изредка прибегая к нему в виде исключения, но не правила. Жизнь в эпоху экранного молчания В пике своего рассвета эпоха немого кинематографа просуществовала примерно до начала 1930-х годов, когда первые кинофильмы стали обзаводиться полноценной звуковой дорожкой. Конечно, с точки зрения общемировой истории период, насчитывающий в своём активе не более тридцати пяти-сорока лет покажется одним мгновением. Однако и в рамках просто мировой истории кинематографа эта цифра с каждым годом становится всё менее масштабна, хоть и не менее значительна. Так или иначе, это было время становления. Становления новой формы искусства. Становления отдельного направления творческой мысли. Становления живо изменяющихся технологий, под стать стремительно движущемуся прогрессу. Становления целого отдельного мира, не похожего ни на что, и одновременно, напоминающего обо всём сразу. Это была настоящая жизнь. А, как известно, жизнь — штука совсем непростая. И если основоположники кинематографа — братья Люмьер — снимали свои фильмы, что называется, под крылом личной инициативы, то Томас Эдисон, конкурировавший с Люмьерами, как в техническом, так и в художественном планах, довольно быстро довёл эту идею до инициативы студийной. Томас Эдисон и его кинетограф Свою первую киностудию Эдисон основал в Вест-Ориндж, штат Нью-Джерси в 1892 году спустя год после того, как презентовал публике фильм «Приветствие Диксона», главную роль в котором исполнил инженер, работавший вместе с Эдисоном над аппаратом кинетографа, о котором говорилось ранее. Студия получила лаконичное название «Edison» в честь имени собственного создателя. Со временем, в 1907 году Эдисон изменил расположение студии, переместив её в Бронкс, штат Нью-Йорк. Помимо этого, в 1893 году Эдисон также смог открыть съёмочный павильон под названием «Чёрная Мария». Подавляющее большинство киностудий того времени также базировались в Нью-Йорке, распределяясь лишь по разным районам. Все остальные фильмы снимались в Форт-Ли, штат Нью-Джерси. Здание киностудии Эдисона в Бронксе, приблизительно 1907 год. Фотография сделана самим Эдисоном В декабре 1908 года Томас Эдисон принял решение о создании компании Motion Picture Patents Company, основной целью которой выступал контроль отрасли в попытке отстранения от производства и проката фильмов более мелких компаний. Распределение и управление кинокомпаниями также осуществлялось дочерней студией General Film Co. Содружество двух этих компаний смогло полностью захватить рынок кинопроизводства на Восточном побережье, вынуждая многие другие киностудии мигрировать на побережье Западное, где в это же самое время начинали зарождаться такие нынешние гиганты мира кино, как Universal Pictures 1912 , Paramount Pictures 1912 , Warner Bros.
Профессию тапера и немые фильмы возродили в Новосибирске
| :: Новости по тегу `немое кино` | В России 30 ноября состоялась премьера фильма «Немая ярость» режиссера Джона Ву. |
| Профессию тапера и немые фильмы возродили в Новосибирске | Искусству плаката в немом кино посвящена выставка в Библиотеке Эйзенштейна. |
| #немое кино | 22 апреля 2011 — Скончалась шведская актриса Аннализа Эриксон, дебютировавшая в кино в одном из немых фильмов. |
| Когда не надо слов: Немое кино 21 века | Справочник кинопижона | Дзен | Главный тезис, который был предложен гостем, оказался довольно оригинальным: немое кино объединяет кинематографистов и киноманов разных стран. |
| «Забытый немой»: коллекция Госфильмофонда | История с таинственными исчезновениями ведущих перед мероприятием уходит своими корнями еще во времена немого кино. |
«Немое кино с оркестром» покажут в кинотеатре «Космос»
Изначально была идея присоединиться к немецким музыкантам, но реализовать ее не удалось из-за пандемии, поэтому команде пришлось заранее записать саундтреки и смонтировать фильмы. Все это привело к рождению совершенно новых аудиовизуальных произведений. Перед показом фильмов зрители смогут прослушать лекцию Павла Милославского о состоянии немецкого кинематографа в 1920-х годах, о русских актерах и «русском Берлине» — социокультурном феномене, имевшем место как раз в то время.
Музыка способна передать множество эмоций за малый промежуток времени. Изначально она использовалась только для развлечения зрителей до начала самого фильма и во время титров. Позже фильмы стали сопровождаться живой музыкой и специальными звуковыми эффектами. Чтобы предать драматизм и волнение, которые задумывал режиссёр. Живая музыка игралась синхронно с действием на экране с помощью пианино, органов и других инструментов. Первым фильмом с оригинальной музыкальной партитурой был эпос Д. Гриффита "Рождение нации", в 1915 году снятый Джозефом Карлом Брейлем.
Кинофестиваль в Загребе и филармонический оркестр. Давайте посмотрим, какие фильмы пользовались популярностью в то время. Приятного просмотра! В «Нерассказанной истории» сохранившаяся версия которая в каталоге студии записана за 1900 год значится ремейком. Ги сняла «Капустную фею». Там была Фея, капуста, куклы и младенцы. Подружка Ги, на минуту ставшая волшебницей, проверяла, созрели ли куклы, и собирала младенцев. Путешествие на Луну Ученый делает в Академии доклад о возможности полета на Луну. После бурных дискуссий решено отправить на Луну экспедицию, для которой строится космический корабль в виде полого снаряда, который запускается в космос выстрелом из огромной пушки. Большой глоток Джентльмен замечает, чтo фотограф пoд чернoй накидкoй, собирается его снять.
Он ему велит уходить, приближается все ближе, жестикулируя и крича, пока наконец его голова, а потом рот занимают весь экран. Он открывает рот и в нем исчезают сначала аппарат, а за ним и сам фотограф. Он удаляется, жуя 5. Большое ограбление поезда В центре сюжета группа бандитов, которая пытается скрыться после ограбления поезда.
В распоряжении команды проекта «Не немое кино» также есть записи с 1919 по 1937 годы. Сейчас специалисты проводят отбор материала и первые пробы наложения звука. Для этого используются возможности студии звукозаписи Иркутского областного кинофонда: подбираются шумы, спецэффекты, музыкальное и голосовое сопровождение видеоряда.
Первые показы сюжетов пройдут в мае в кинотеатрах и библиотеках Иркутской области, затем их можно будет увидеть в залах Иркутского Дома Кино.
Тогда, в начале 30-х годов о Нине Демме писала вся мировая пресса, а потом о ней просто забыли. Благодаря активности земляков полярницы — костромских исследователей и журналистов — имя Нины Демме зазвучало снова. В сентябре 2022 года в Костроме была открыта мемориальная доска, выпущены почтовый конверт и штемпель к 120-летию со дня рождения героини фильма. Премьера картины «Дневник «белой вороны» стала важным событием в памятных мероприятиях региона.
ТЭГ: `немое кино`
Альфред Хичкок называл немое кино «самой чистой формой кинематографа». вошли в историю японского кино, включая Масахиро Макино, продолжателя дела отца, добившегося известности в качестве одного из мастеров жанра «дзидайгэки». В немом кино было много уникальных явлений, которые прекратили свое существование с приходом звука. В Женеве на фестивале независимого кино Black Movie был показан фильм «Племя», все роли в котором сыграли глухие актеры-непрофессионалы. Сеть кинотеатров «Москино» 17 ноября приглашает жителей и гостей столицы на показ проекта «Немое кино с оркестром».
Немое кино «Оборона Севастополя» озвучили
Пышка (СССР 1934) Трагикомедия, Социальная драма, Немое кино _ Фаина Раневская. Немое научное кино с музыкальным сопровождением. Сеть кинотеатров «Москино» 17 ноября приглашает жителей и гостей столицы на показ проекта «Немое кино с оркестром». За час до показа фильма, в 18:00, Севастопольский симфонический оркестр даст концерт классической музыки. В фильме обыгрывается история актера немого жанра, который был выброшен на обочину жизни, в период, когда немое кино было вытеснено звуковым. Эпоха немого чёрно-белого кинематографа давно миновала, однако и в XXI веке режиссёры продолжают снимать фильмы в стилистике столетней давности.