Как отличить моноспектакль от стендапа, в эфире «ПЛН FM» (102.6 FM) объяснил режиссер моноспектакля «Говорит Москва» по пьесе современного драматурга Юлии Поспеловой Александр Суховский, премьера которого состоится в Псковском академическом театре драмы. / Театральная студия «Артека» представила моноспектакль «Малоизвестная история известного человека» на основе жизни и творчества поэта, барда, педагога Булата Окуджавы. это искренний монолог со зрителем, где актер выкладывается и обнажает самое сокровенное перед затаившими дыхание зрителями. Наши зрители с любовью относятся к моноспектаклям, с аншлагом проходящим на малой сцене имени Галины Умпелевой. Логично было бы предположить, что спектакль, с участием нескольких актеров — есть отражение создателя, то есть режиссёра, тогда как моноспектакль — это и есть сам актер и в этом случае он — создатель.
О монопьесах
Мы видим актера на сцене в свете софитов? Значит, осветитель включает софиты и освещает актера. Звучит музыка — работает звукооператор. До спектакля на репетициях с актером работал режиссер. А еще рабочие сцены, службы театра… И пусть Вас не вводит в заблуждение слово «моноспектакль», оно лишь подчеркивает единоличное исполнение роли актером на сцене. А сам моноспектакль, впрочем как и любой творческий проект, это результат работы большого коллектива специалистов. Если мы говорим о проекте — команды проекта и не только. Команда проекта это как актер в моноспектакле. Команда нашего проекта «Ступени творчества — развитие» объединяет специалистов — профессионалов и актеров любительского театра-студии «Премьер».
Жест — это выражение экспрессии, эмоций, способ сконцентрировать внимание зрителя, привлечь его. Есть еще один момент — не случайно в начальных классах музыкальных школ, да и у нас на занятиях с малышами, детки поют «с рукой», показывая, дотягиваясь до высоких нот, помогая себе «спускаться по ноткам, как по лесенке» и, тем самым, соединяя в единую координационную систему звукоизвлечение и жест. Мне, всю жизнь с удовольствием поющей под собственный аккомпанемент, эта связанность звука и жеста особенно понятна и необходима. Второе — жест должен быть, но в той мере, в которой он необходим. Это средство музыкальной выразительности, такое же, как музыкальные оттенки, темповые изменения и т. Следовательно, жест не должен быть чрезмерен. Не сбрасываем руки! Доводим и останавливаем, но осмысленно и логично. Четвертое - не суетиться никогда! Плавное, сильное движение руки с открытой ладонью — всегда знак отдачи энергии зрителю, в зал!
Жестом артист «переливается» в зал, соединяя энергию творчества и любви с энергией зрителя — так возникает общий творческий эгрегор, общее «силовое поле» - после такого выступления и артист, и зритель — счастливы и полны сил! Ворожите руками, гипнотизируйте, захватывайте внимание зрителя — это наша особая артистическая магия, только не «пересолите». Казалось бы, эти вопросы решаются в репетиционном периоде, в классе? Именно — казалось бы! Страх сцены, мандраж, волнение — никто не отменял. Как я люблю говорить — выполним задачу на двести процентов — дай Бог, на сцене процентов восемьдесят останется. Несомненно, вся эта работа должна быть проведена в классе. Момент экспромта, как высшего проявления творческого порыва, вдохновения — это выход артиста на новый уровень! Когда возникает ясное желание осуществить ту или иную внезапно возникшую задачу, а, главное, полная уверенность в том, что ты СМОЖЕШЬ решить эту задачу прямо сейчас, в процессе выступления! Но это чудо возможно только в состоянии психологического покоя, ясного разума и полной подготовленности, «вбитости» в мышцы и в связки музыкального материала в частности и общей мизансцены.
Иначе говоря — профессиональной оснащенности артиста. Поэтому самый лучший экспромт — подготовлен часами репетиций. Более того — даже мысленное пропевание, проговаривание текста обязательно принесет великолепный результат — так я однажды, не имея возможности петь, проговаривала тексты песен и стихов мысленно и выучила материал так, как никогда ни до, ни после. Ну, и практика, конечно. Ничто и никогда не заменит практики, репетиций, выступлений на любой сцене и в любых условиях. Глава 5. Образ говорящего Ну вот, я обещала, что вернусь к этому важнейшему понятию. Что это — это сочетание всего, по А. Чехову — «и лицо, и одежда, и душа, и мысли» — в нашем случае — и исполнение, и внешний вид, и поведение на сцене. О чем я — проще, как всегда , на примере — странно выглядит исполнительница в миниюбке и с неимоверно броским макияжем, поющая о чистой и возвышенной любви или исполняющая патриотическую песню в перьях и блестках.
Следовательно — все должно соответствовать и сочетаться в номере, все должно работать на образ, на смысл песни, создавать моноспектакль, единство внутреннего и внешнего. Что же, кроме самого исполнителя может помогать или мешать в этом творческом процессе? Естественно, шоу, скажите мне вы. Конечно, ведь, именно этим странным явлением заменили сейчас хорошую и профессиональную концертную работу. Я не злопыхаю, а размышляю. Сама я прошла через разные этапы — меня долго уговаривали попробовать свои силы в этом жанре, я сопротивлялась. Это было ярко, интересно, очень экспрессивно и, несомненно, украсило и дополнило номер! Не обвиняйте меня в сексизме, пожалуйста, но вот же парадокс — когда эту же композицию взял в работу женский танцевальный коллектив — номер, мягко говоря, не приобрел. В чем тут дело? А во всем.
В неправильной стилистике костюмов, в нелогичной пластике, но это уже вопрос хореографа — постановщика. Это, конечно, совпадение, что именно с женским коллективом такая история получилась. Но тем не менее — номер, в котором солистка женского пола, украшать и дополнять должен мужской танцевальный коллектив. Тогда, мне кажется, все в равновесии и все по логике. А вот нужна ли, в принципе, «подтанцовка», каждый решает сам. Мое мнение — нет. Я воспитана в традициях старой эстрадной школы и убеждена, что высший пилотаж — это прямой луч прожектора, направленный на артиста. И никакой подтанцовки, слайдов, летающих людей, «львов, орлов и куропаток». А зритель плачет. Это мастерство.
Конечно, если мы говорим о сольном концерте, где вы можете показать себя со всех сторон, зрители с радостью примут участие в «веселых» номерах, украшенных и блестками, и перьями, и участием танцевального коллектива, неважно, какого пола и, к сожалению, не всегда важно, какого качества. Но запомнит зритель именно те самые номера, «в луче прожектора», заставившие его и плакать, и чувствовать себя живым, и подарившие ему ощущение «промытой души». Если же мы говорим о номере, то есть об одной песне, с которой артист выходит в дивертисментном концерте, тут, как ни странно, те же два пути. Вам охотно подпоют, если вы сделаете выбор в пользу «веселухи», но вспоминать будут — «ого, какой голос! Так что — «думайте сами, решайте сами». А поиск баланса - это вечная задача артиста. Все в балансе — это и есть идеальный «образ говорящего». Глава 6. Где начинается номер. Этот вопрос я услышала впервые в театре-студии «Саманта» Евгении Зарицкой.
Арина Зарицкая, хореограф и режиссер-постановщик, задала этот вопрос на репетиции детям возраста 7-10 лет. Конечно, когда мы готовим сольный концерт, в чем-то проще — все закулисное пространство принадлежит одному солисту, все устроено для его удобства и комфорта. Но в случае выхода на один номер, а это может быть и одна песня, очень непросто подготовиться и сохранить необходимую собранность, не расплескать себя. Важно, как ни странно, всё. Здесь хочется обратиться к книге Галины Вишневской «Галина» и привести в пример советы преподавательницы, готовившей великую певицу к прослушиванию в Большой театр: «Встань пораньше, хорошо поешь, в театр иди часа за два до начала. Походи по сцене, чтобы почувствовать атмосферу зала, кулис. Распевайся в течение часа, ни с кем не разговаривай. Сосредоточься только на том, что будешь петь. Единственно, с чем я позволю себе не согласиться, это «встань пораньше». По моим ощущениям, враги голоса и правильного рабочего состояния — это недосып и чувство голода.
Очень хорошо приезжать заранее, нельзя пропускать прогоны, даже на знакомой сцене! Если есть режиссер — это Царь, Бог и воинский начальник! А звукорежиссер — это человек, в руках которого все — и звучание голоса, и звучание музыкального сопровождения. Так что в интересах артиста со всеми познакомиться и подружиться. Так и с атмосферой зала легче сродниться, и подскажут, где самое слухово выгодное и удобное место, и под правильный свет помогут встать! По поводу вокальной подготовки, проще говоря — распевок. Тут тоже есть правильный совет — «А распеваться артист должен за кулисами, а не на сцене, при публике. Ты не студентка, ты артистка». Вишневская «Галина» Значит — ищем удобный угол и поем себе, ни на кого не обращая внимания! Это момент принципиальный, помню, как на прогоне перед одним мероприятием я долго так и сяк прилаживалась к микрофону, прося звукорежиссера «добавить низких», «подрезать частоты» и так далее, пока вдруг не услышала свой голос так, как меня устроило.
Спрашиваю его — «Это Вы что-то сделали или я просто распелась? Вопрос микрофона. Опыт подсказывает, что, на всякий случай, петь надо уметь в любой микрофон, так как «тяжела и неказиста жизнь эстрадного артиста» и куда забросить может, и в каких условиях придется петь — неизвестно. Конечно, для меня, как для человека много аккомпанирующего себе на фортепиано, счастье - это микрофон «на пружине», дающий полную свободу. А все остальное — бренд, шнуровой или не шнуровой, стойка или в руку — это уже вопросы личного предпочтения. Самое главное — кто и как в этот микрофон поет.
В основе постановок лежат либо специально написанные литературные произведения — монодрамы, либо адаптированные традиционные пьесы. Моноспектакль — весьма непростой жанр. Когда актер на сцене остается один, он волей-неволей оказывается в центре внимания. Казалось бы, на сцене один актер наедине со зрительным залом используя свой талант и мастерство играет спектакль.
Благодарный зритель зачастую воспринимает успех такого спектакля, как успех именно этого актера. И это здорово, потому что именно на такое восприятие и нацелен моноспектакль. Что не видит зритель? В театре, как и в жизни, многое скрыто от непосвященного человека. Мы видим актера на сцене в свете софитов?
Они могут быть воплощены в любой тематике, если актер обладает достаточным мастерством и воображением.
Особенности моноспектакля Одной из главных особенностей моноспектакля является его интимность. В отличие от традиционных спектаклей, где на сцене присутствует целый ансамбль актёров, в моноспектакле зритель сосредотачивает своё внимание только на одном персонаже. Это позволяет создать особую атмосферу, в которой очень сильно присутствует драматическая напряженность. Другой особенностью моноспектакля является его высокая степень авторской самостоятельности. В моноспектакле актёр становится не только исполнителем роли, но и его создателем. Он самостоятельно выбирает тему спектакля, разрабатывает сценарий, определяет характеристики своего персонажа.
Это даёт актёру большую свободу самовыражения и возможность воплотить на сцене свои творческие идеи. Также моноспектакль открывает возможность для актёра продемонстрировать свои актёрские возможности в полной мере. Он может насыщенно использовать разнообразные актёрские техники, играть несколько ролей, переключаться между персонажами на сцене. Это требует от актёра особой концентрации и профессионализма, но при этом позволяет подчеркнуть его мастерство и актёрский талант. Важной особенностью моноспектакля является его простота и экономичность в производстве. Одному актёру не требуется большая сцена, сложные декорации и множество костюмов.
Он может обойтись минимальным набором реквизита и ограничить декорации до самого необходимого. Это позволяет сделать моноспектакль более доступным и легким в организации и проведении. Использование одного актера Использование одного актера в моноспектакле предоставляет возможность создать глубокий и яркий образ, не отвлекая зрителей на других актеров и их действия. Актер выступает в роли всех персонажей, находящихся на сцене, и самостоятельно передает их эмоции, характеры и отношения между ними. Такой формат представления позволяет актеру проявить свою гибкость, творческий потенциал и способность к глубокой эмоциональной передаче. Одному актеру приходится не только изменять внешность и голос для каждого персонажа, но и переживать их чувства и эмоции, создавать атмосферу и взаимодействовать с воображаемыми партнерами на сцене.
Такие моноспектакли требуют от актера высокой концентрации, навыка работы с пространством и восприятия публики. Однако, если актер успешно справляется с такой задачей, моноспектакль может стать настоящим шедевром и вызвать у зрителей глубокие эмоции и восхищение. Примеры известных моноспектаклей: — «Соло для женщины» с Валентиной Талызиной. Моноспектакли поражают своей энергетикой и возможностью исследовать разнообразные характеры и ситуации, не выходя за рамки одного актера на сцене. Они доказывают, что один человек может создать целый мир и увлечь зрителей своим искусством. Смешение разных искусств Моноспектакль как форма современного искусства часто использует смешение различных художественных направлений, позволяя объединить в одном произведении элементы театра, кино, музыки, танца и даже живописи.
Что такое моноспектакль?
Монофест и «тайные комнаты»: как прошел 10-й фестиваль моноспектаклей. Эти вечные ценности можно назвать главными постулатами моноспектакля Марка Тишмана, в котором он проникновенно, метафорично и многогранно воплощает природу человеческой личности. Смотрите Что такое моноспектакль?. Длительность видео: 4 мин и 6 сек. Спектакль приурочен к 200-летию со дня рождения великого русского драматурга Александра Николаевича Островского и создан при финансовой поддержке Калининградского регионального Отделения Союза театральных деятелей Российской Федерации. Режиссер моноспектакля может инсценировать так называемую монодраму по сюжету единственного произведения или создать спектакль-концерт из нескольких стихотворений, песен, коротких рассказов одного или разных авторов.
Жанр моноспектакль, как высший пилотаж
Не могу сказать насколько трудна эта работа, просто нет зависимости от партнёров. Партнёр один — зрительный зал. Мои моноспектакли возникли от ощущения собственной невостребованности, к тому же таким образом появляется возможность заниматься тем материалом, который мне интересен, но который невозможно сыграть на большой сцене. Вся история с моими моноспектаклями возникла очень давно. Сразу после института я оказался в Ленинградском ТЮЗе им.
Брянцева, играл в массовках по 30-40 спектаклей в месяц. В какой-то момент я понял, что свихнусь, если буду заниматься только этим. А ведь были и есть артисты, которые за всю жизнь ничего больше и не сыграли , просто играют по инерции и всё. Критерии профессиональных навыков размыты или отсутствуют — никакого роста и ролевой биографии etc.
Можно в театре прожить и так, не секрет. Меня охватил ужас, когда в воображении предстала картина такого будущего: через 20-30 лет я так же прохожу через служебный вход в театр и рисую себе щёчки. Стало понятно, что надо работать самому, коли уж меня не видят в чём-то другом. Так родился спектакль по стихам Саши Чёрного «Концерт Саши Чёрного для фортепиано с артистом», который мы сочинили вместе с Гришей Козловым - такое вот совместное творчество.
Не знаю почему Саша Чёрный, равно как и не знаю почему - Салтыков-Щедрин. Материал и литературная основа приходят сами собой, просто срабатывает интуиция. Но это происходит редко, поэтому репертуар моноспектаклей у меня не такой обширный, как хотелось бы. Наш учитель, Аркадий Иосифович Кацман говорил, что если прочтение какого-то произведения вызывает гамму эмоций, значит, его нужно брать в работу.
Сейчас я начинаю развивать такую безумную тему как «Путешествие из Петербурга в Москву» Радищева в формате моноспектакля. Произведение несправедливо забытое и невостребованное на театральной сцене, пройденное по-диагонали в школе, по сути своей фантастично. Все великие литературные и драматические произведения созвучны и современны: Достоевский, Щекспир, Гоголь, Кафка. В этом и есть «фишка» всей великой классики.
Есть вещи, которые проецируются на сегодняшний день со стопроцентным попаданием. Смысл остаётся на века. Каждый моноспектакль - это высказывание на тему, своего рода творческая декларация. В моноспектакле я не просто говорю слова и изображаю кого-то и перевоплощаюсь в разных персонажей в Салтыкове-Щедрине их целый парад - за этим смысл и содержательность, созвучная нашему времени.
Не могу сказать, какие при этом срабатывают механизмы, отследить невозможно.
Фантастика: В моноспектакле в жанре фантастики актер может взглянуть на фантастические миры и создать собственные истории об одном герое. Жанры моноспектакля не ограничены этими примерами.
Они могут быть воплощены в любой тематике, если актер обладает достаточным мастерством и воображением. Особенности моноспектакля Одной из главных особенностей моноспектакля является его интимность. В отличие от традиционных спектаклей, где на сцене присутствует целый ансамбль актёров, в моноспектакле зритель сосредотачивает своё внимание только на одном персонаже.
Это позволяет создать особую атмосферу, в которой очень сильно присутствует драматическая напряженность. Другой особенностью моноспектакля является его высокая степень авторской самостоятельности. В моноспектакле актёр становится не только исполнителем роли, но и его создателем.
Он самостоятельно выбирает тему спектакля, разрабатывает сценарий, определяет характеристики своего персонажа. Это даёт актёру большую свободу самовыражения и возможность воплотить на сцене свои творческие идеи. Также моноспектакль открывает возможность для актёра продемонстрировать свои актёрские возможности в полной мере.
Он может насыщенно использовать разнообразные актёрские техники, играть несколько ролей, переключаться между персонажами на сцене. Это требует от актёра особой концентрации и профессионализма, но при этом позволяет подчеркнуть его мастерство и актёрский талант. Важной особенностью моноспектакля является его простота и экономичность в производстве.
Одному актёру не требуется большая сцена, сложные декорации и множество костюмов. Он может обойтись минимальным набором реквизита и ограничить декорации до самого необходимого. Это позволяет сделать моноспектакль более доступным и легким в организации и проведении.
Использование одного актера Использование одного актера в моноспектакле предоставляет возможность создать глубокий и яркий образ, не отвлекая зрителей на других актеров и их действия. Актер выступает в роли всех персонажей, находящихся на сцене, и самостоятельно передает их эмоции, характеры и отношения между ними. Такой формат представления позволяет актеру проявить свою гибкость, творческий потенциал и способность к глубокой эмоциональной передаче.
Одному актеру приходится не только изменять внешность и голос для каждого персонажа, но и переживать их чувства и эмоции, создавать атмосферу и взаимодействовать с воображаемыми партнерами на сцене. Такие моноспектакли требуют от актера высокой концентрации, навыка работы с пространством и восприятия публики. Однако, если актер успешно справляется с такой задачей, моноспектакль может стать настоящим шедевром и вызвать у зрителей глубокие эмоции и восхищение.
Примеры известных моноспектаклей: — «Соло для женщины» с Валентиной Талызиной. Моноспектакли поражают своей энергетикой и возможностью исследовать разнообразные характеры и ситуации, не выходя за рамки одного актера на сцене.
Монопьеса моноспектакль — это действие одного актёра, разворачивающееся в настоящем времени здесь и теперь на глазах у зрителей, что, конечно же, не отменяет воспоминаний персонажа.
Актёр в переводе на русский язык — действующий, от слова «акт» — действие, а не спикер, то есть, говорящий. Драма, в переводе с греческого языка тоже действие. Рассказ же от первого лица проза повествует об уже произошедших событиях, когда исполнитель рассказывает о прошлом.
Вот здесь артист является уже говорящим. И глава «Актер должен уметь говорить» из книги «Моя жизнь в искусстве» К. Станиславского является краеугольным камнем в дисциплине именно «Сценическая речь».
Можно ли поставить малую прозу без инсценировки? Конечно, можно и нужно. Но это будет уже не драматический спектакль, а литературная композиция, другой вид представления, где исполнитель — артист речевого жанра, который читает произведение, рассказывает его от лица персонажа, разумеется, со своим эмоциональным отношением к описываемым событиям.
Он также может использовать мизансцены, реквизит, костюм, может включаться в игру персонажей, о которых рассказывает, но игра будет лишь элементом художественного слова. Главное его действие, если уж говорить о действии, это общение со зрителями без четвёртой стены. Нельзя недооценивать литературную композицию как особый вид сценического представления.
Постановка её требует не меньших сил, таланта, фантазии и опыта артиста, режиссёра и художника, чем при постановке драматического спектакля. Но вернёмся к монопьесам. В 2013 году на «Конкурсе конкурсов» в рамках фестиваля «Золотая маска» в номинации «Монопьеса» Гран-При получил рассказ М.
Хейфеца «Спасти камер-юнкера Пушкина». Хорошая проза, написанная от первого лица. Правда, автор приписал в начале произведения, чтобы оно хоть как-то напоминало пьесу, вот что: «Более чем скудно обставленная комната современной квартиры.
В комнате появляется мужчина сорока с лишним лет. Он одет в халат. На ходу вытирает ещё мокрую голову.
Мама, что нарисовать? Советы от художников Валентина Серова и Николая Богданова-Бельского Премьеры в сети: «Любовь истекает кровью», «Детективы с того света», «Наклз» Приложение Афиши — самый удобный способ выбрать, как провести свободное время Главные события недели — у вас на почте.
Моноспектакли в Москве
Божественная, бесовская сила театра, его удивительная способность возвышать и уничтожать человека, попавшего в атмосферу театрального закулисья, в спектакле раскрывается через судьбу главного героя — писателя Максудова. Piccola Compagnia della Magnolia Италия, Турин. Режиссер и исполнитель Джорджа Черрути. Герои спектакля — мать и сын, оказавшиеся в вымышленном месте и времени. Зрителю представлен монолог матери, которая много лет тому назад ослепила бога своей красотой настолько, что тот спустился на землю в обличье животного и овладел ею. Гиперболическая, парадоксальная беременность завершилась рождением тринадцати детей, каждый из которых унаследовал по одной черте своего божественного родителя. Каждый, кроме самого младшего сына. Мать посвятила свою жизнь тому, чтобы спрятать и защитить самое слабое свое дитя, отстоять его у надвигающегося Хаоса. Автор, режиссер и исполнитель Павел Семченко.
Павел Семченко в своей новой сольной работе сочиняет, по его собственному выражению, «сложные человеко-предметные образы-действия», создает одушевляемый натюрморт, играющий как мини-оркестр и двигающийся как неоклассический псевдобалет. По мнению создателей, название этого моноспектакля объясняется так: «Па» — один из псевдонимов самого Павла Семченко, дрожание — способ его сценического существования, драма — театральный жанр, в котором автор себя никогда не пробовал, а машина — попытка отказаться от спонтанности.
В основе постановок лежат либо специально написанные литературные произведения — монодрамы, либо адаптированные традиционные пьесы. Моноспектакль — весьма непростой жанр. Когда актер на сцене остается один, он волей-неволей оказывается в центре внимания. Казалось бы, на сцене один актер наедине со зрительным залом используя свой талант и мастерство играет спектакль. Благодарный зритель зачастую воспринимает успех такого спектакля, как успех именно этого актера. И это здорово, потому что именно на такое восприятие и нацелен моноспектакль.
Что не видит зритель? В театре, как и в жизни, многое скрыто от непосвященного человека. Мы видим актера на сцене в свете софитов?
Роль в театре актеры получают по распределению, в зависимости от того, в чём видит тебя режиссер, и порой приходится влюблять себя в полученную роль. Монолог актер выбирает сам, исходя из своего желания что-то очень важное сказать зрителю. Монолог — это очень личностное актерское высказывание. Почему жанр моноспектакля важен для актёра, театра и зрителя? Для актера моноспектакль — это проверка на прочность. Сможешь ли ты удерживать своей энергией, своими смыслами зал? В моноспектакле никуда не спрячешься, ты и зритель, который является твоим партнёром.
В моноспектакле, на мой взгляд, максимально проявляется актерская природа, я считаю, что каждый профессиональный актер должен испытать свои силы в этом жанре. Для театра моноспектакль важен поисками особой театральности, особого способа разговора со зрителем. Ведь при аскетичности оформления необходимо добиться выразительности. Для зрителя — это всегда разговор с артистом тет-а-тет, разговор негромкий, почти интимный, исповедальный. Мне кажется, что современный зритель заскучал от поиска театральных форм, за которыми порой не видно актера. Зрителю, на мой взгляд, не хватает простого и искреннего человека на сцене. Как Вы выбрали свой монолог? Во-первых, я очень люблю этого автора, Василия Макаровича Шукшина. Каждый его рассказ — это огромное море юмора, пронзительности, душевности, человечности и искренней любви к жизни с её парадоксами и странностями, с её болью и радостью. Очень долго я не мог остановиться и выбрать конкретные рассказы, разбегались глаза, каждый рассказ прекрасен.
Потом пришёл к мысли, что интереснее всего мне будет рассказать о Шукшинских Чудиках. Важно было выстроить в спектакле драматургическое развитие темы, поэтому в конце концов остановился на этих трёх рассказах: «Чудик», «Миль пардон, мадам» и «Думы». С возрастом у Чудиков меняется отношение к жизни, уходит чудаковатость, остается простая и глубокая человеческая тема. Осеевой Дата показа: 2 апреля в 18:00 Что такое монолог? Монолог для меня — это либо способ-возможность поделиться с людьми о наболевшем или о своем личном прозрении, либо передать историю, тронувшую мое сердце.
Пази « Оскар и Розовая Дама. Четырнадцать писем к Богу » 2004 г. В 2000 г.
Чехова состоялась премьера новой версии «Контрабаса» Г. Черепанова в исполнении К. В 2008 году выходит моноспектакль «1900» режиссер и исполнитель — О. Особенность жанра[ править править код ] Моноспектакль имеет, как правило, драматический сюжет. Так, например, в основе спектакля «Контрабас» лежит тема маленького человека. Однако Райкин и Хабенский рассказывают о разных «маленьких людях». Если контрабасист Райкина — это опустившийся, мерзкий, ополчившийся на весь мир человек, вызывающий отвращение, то музыкант Хабенского — суматошный чудак, который всю жизнь стремился к признанию и любви, но в итоге так ничего и не добился.
О монопьесах
Что такое моноспектакль для актера — специальный опрос по следам ЧАТа в Омске. Как отметили члены жюри фестиваля, жанр моноспектакля сейчас востребован как никогда. Моноспектакль — это постановка с участием одного актера. В таких спектаклях, как правило, не используют сложные декорации и реквизит. МОНО; корень - СПЕКТАКЛЬ; нулевое окончание; Основа слова: МОНОСПЕКТАКЛЬ Вычисленный способ образования слова: Бессуфиксальный или другой. ∩ - МОНО; ∩ - СПЕКТАКЛЬ;. Слово Моноспектакль содержит следующие морфемы или части.
В Москве открывается фестиваль моноспектаклей «SOLO-2022»
Моноспектакль — спектакль с участием единственного актера. Оксана ХРАМОВА, корреспондент: «Моноспектакли в Новокузнецкой драме не играли как минимум 3 десятка лет, это своего рода эксперимент, как и площадка, на которой рождается эскиз, камерное пространство призвано открыть Гоголя зрителю с неожиданной стороны». это искренний монолог со зрителем, где актер выкладывается и обнажает самое сокровенное перед затаившими дыхание зрителями. Наши зрители с любовью относятся к моноспектаклям, с аншлагом проходящим на малой сцене имени Галины Умпелевой.